Midnight Drive-In

Le 65e Festival de Cannes

2012-02-29T04:25:00.005-08:00

Rápidas impressões pós-Oscar

2012-02-26T21:46:00.005-08:00

Vive le France!

Sim, O Artista consagrou-se como o grande campeão da noite com 5 prêmios, dentre eles Melhor Filme, Melhor Ator e Melhor Diretor (além de Figurino e Trilha Sonora). Hugo Cabret (que ainda não conferi) também abocanhou 5 estatuetas – todas das chamadas categorias técnicas. Meryl Streep venceu. Christopher Plummer venceu. O maravilhoso filme iraniano A Separação venceu. Woody Allen e Alexander Payne venceram, por roteiro original e adaptado, respectivamente. Octavia Spencer também venceu. Enfim, foi uma noite sem surpresas, mas agradável, principalmente pela qualidade dos filmes agraciados com indicações. Para mim, não há dúvidas de que nos últimos anos a qualidade dos filmes indicados para o prêmio e agraciados pela Academia caiu vertiginosamente (Como explicar Avatar concorrendo à Melhor Filme? E a vitória de Crash, em 2005? O Pianista perdendo para Chicago??) .

Esquecendo-se os erros do passado e do presente (Drive, Shame – a lista vai aumentando), tivemos uma cerimônia bacana, pois o cinema foi homenageado, em toda sua grandeza, pelos dois principais vencedores da noite- Hugo Cabret e O Artista – filmes que tratam sobre a beleza do cinema, exercícios metalinguísticos fabulosos. Aumentando a qualidade dos indicados, aumenta-se o prestígio da festa e a satisfação de um cinéfilo para acompanhá-la e elogiá-la logo em seguida em seu blog, apesar de ter aula bem cedo no dia seguinte...

E foi por essa celebração do cinema em si que me fez ficar acordado, acompanhando a irregular transmissão da Rede Globo, com uma torcida indecorosa e constrangedora pela música de Sérgio Mendes e Carlinhos Brown (aos desavisados, a música concorreu ao prêmio de Melhor Canção Orignal); o prêmio em questão foi para as mãos de Bret Mckenzie, com uma música do filme Os Muppets. Pelo menos o José Wilker assistiu aos filmes para poder comentá-los neste ano.

Billy Cristal mostrou-se afiado como sempre no papel de host da cerimônia, com seus bons momentos. A maior parte dos atores que apresentaram os prêmios se saiu bem, apesar de ter achado Natalie Portman bastante sem graça na apresentação dos indicados à Melhor Ator; pareceu-me que ela não tinha o que falar sobre os agraciados. Na categoria de Melhor Discurso, sem dúvida eu escolho o de Jean Dujardin – lembrou-me um pouco do Roberto Benigni. Os vencedores na categoria de Melhor Curta-Metragem de Animação, a dupla William Joyce e Brandon Oldenburg por The Fantastic Flying Books of Mr. Morris Lessmore, também fizeram um belo discurso, que me agradou em cheio, especialmente pela humildade demonstrada assim como o amor ao cinema.

Foi, afinal, uma festa de saldo positivo considerando-se os erros e acertos. Considero que os prêmios foram todos justos, levando-se em conta os que foram indicados. Concordei absolutamente com essa premiação e fico feliz por ter acompanhado a festa daqui de casa. Fazia algum tempo que eu não sentia o Oscar como uma cerimônia de celebração da sétima arte; na edição de 2012, o prêmio voltou a ter relevância e, porque não, emocionar.

Trailer da Semana: God Bless America (2012)

2012-02-21T18:37:00.004-08:00

Existem alguns fatores interessantes ao redor desta comédia de humor negro, que promete gerar alguma polêmica no mundo do cinema. À primeira vista, parece uma obra na esteira de Kick-Ass e Super, com um homem limpando o mundo de pessoas imbecis e bandidos em geral com a ajuda de uma improvével parceira feminina - uma criança. Entretanto, ao contrário do aspecto fantasioso das duas obras citadas, God Bless America mira suas lentes sobre a sociedade americana atual, com toda sua intolerância, lixo televisivo, juventude criminosa e uma dúzia de desvios de conduta. Caberá ao nosso improvável herói (encarnado por Joel Murray) livrar-nos destes males. E, mesmo com este tema explosivo, o filme promete muita comédia. Veremos!

Drive (2011)

2012-02-21T18:15:00.008-08:00

Nicolas W. Refn, realizador de filmes excepcionais como Bronson e Valhalla Rising. Em sua mais última obra, o filmaço de ação Drive, Nicolas não decepciona e entrega mais uma joia para a plateia ávida por bons filmes. Drive foi um dos grandes filmes do ano passado e deverá ser lembrado posteriormente na galeria dos grandes filmes de ação já feitos.

Muitas coisas me agradam em Drive: primeiramente, a direção estilosa do dinamarquês, que transforma um roteiro relativamente simples num espetáculo de ação. Como Ronald Perrone afirmou em seu blog, Dementia 13, a direção nas mãos de outro diretor (Neil Marshall esteve cotado para a direção) poderia resultar num filme bem prosaico. Com o comando de Refn, este, definitivamente, não é o caso.

O elenco de Drive tem um quê de fantástico, também. Além dos ótimos suportes dos vilões, encarados por Ron Perlman e Albert Brooks, o filme conta com Bryan Cranston e a bela e talentosa Carey Mulligan, todos dando suporte a uma incrível atuação minimalista de Ryan Gosling, como o protagonista de poucas palavras que responde muito bem quando a situação exige "um pouco" de violência. Gosling compôs um personagem marcante, que me lembrou do protagonista da obra anterior de Nicolas Refn, Valhalla Rising.

Em uma das cenas mais violentas do filme, Nicolas Refn consultou o diretor Gaspar Noé, sobre efeitos visuais e dicas para torna-lá mais realista. Não quero dar spoiler, mas quem conhece a filmografia de Noé, sabe o que esperar do quesito violência...

E, por fim, destaco os aspectos técnicos da obra, como a ótima fotografia, o design de produção e a campanha de divulgação, com aqueles excelentes cartazes com escrita em neon rosa (era o q pareciam, para mim - neon). Em consonância com os tais cartazes, está a trilha sonora do filme, simplesmente excepcional, com uma escolha de músicas eletrônicas, meio dark-pop e de sonoridade retrô (como a faixa Nightcall, tocada durante os créditos iniciais).

E com todo seu estilo, Drive cativa o público sedento por bons filmes de ação (que é o meu caso, definitivamente). Os produtores e a própria Hollywood parece ter se esquecido daqueles grandes filmes dos anos 70, um cinema de ação com conteúdo e estilo que há muito tempo eu não via (pelo menos em obras vindas dos Estados Unidos). Não vou nem perder meu tempo comentando a falta de mais indicações ao Oscar, que sempre comete erros, mas a premiação do diretor em Cannes prova a competência do filme.

Drive é um verdadeiro resgate deste saudoso cinema, sem barulheira ou cenas de ação tiradas de videogames para entreter o público. Tem-se "apenas", e repito "apenas", uma estória bem contada por um grande elenco e um diretor excepcional, que sabe transformar roteiros em filmes de verdade. Resta-me agradecer a Nicolas W. Refn, por ter presenteado os cinéfilos com este grandioso filme.

Operação Kickbox (Best of the Best, 1989)

2012-02-12T11:55:00.001-08:00

Um torneio de artes marciais entre EUA e Coreia; a equipe da Coreia é letal, disciplinada, bem treinada e, sem exageros, perfeita. Já a equipe norte-americana é cheia de complicações, desconcentrada, desunida, cheia de dramas particulares. Seria possível esta equipe se superar e vencer a imbatível Coreia?

É claro que a resposta da pergunta central do filme Operação Kickbox é elucidada no final do filme. Diga-se de passagem, um belo filme. Porque, mesmo com a sua enorme carga de clichês, o filme concentra suas forças na atuação de Eric Roberts, que entrega uma bela performance como um dos lutadores da equipe americana. Sua luta no campeonato é uma das mais emocionantes que eu já assisti em filmes. E a luta final, entre Phillip Rhee e seu arquirrival (interpretado pelo irmão de Rhee, na vida real) é fantástica e bem filmada.

Temos a presença de James Earl Jones como o treinador da equipa e o falecido Chris Penn como o chato lutador americano Travis, cheio de preconceitos. Mas o ator é tão carismático que, eventualmente, torcemos por ele.

Com um final que, para mim, soa bastante ingênuo, sem perder toda sua força e emoção, Operação Kickbox (que título horrível, ainda mais vendo a tradução literal do título original – "O Melhor dos Melhores") é um filme muito divertido. Os que gostam de filmes de luta devem vê-lo sem falta. Amantes de filmes de ação dos anos 80 e 90 também irão se esbaldar.

Operação Kickbox gerou ainda três sequencias. O mais breve comento elas por aqui, mas tenho a triste impressão que a qualidade foi caindo ao longo das mesmas. Poucos escaparam da triste regra das continuações ruins... Por ora, recomendo o primeiro filme.

In Memorian: Ben Gazzara (1930–2012)

2012-02-04T17:22:00.000-08:00

O Retorno de Johnny English (Johnny English Reborn, 2011)

2012-02-02T10:09:00.000-08:00

Este é um filme sem nenhuma razão de existir. E quero deixar claro que sou fã tanto do personagem Johnny English quanto de seu intérprete Rowan Atkinson, um dos grandes comediantes britânicos vivos. Mas, mesmo gostando muito do primeiro filme, é com tristeza que vejo como este segundo filme tem a intenção de, sei lá, encher os bolsos dos produtores e do estúdio. Não há nada para se acrescentar ao personagem, além de ser um filme completamente independente do seu antecessor, o que me dá a impressão de que o roteiro quer atrair novos expectadores para o filme.

Pareceu-me aliás que esta nova aventura está mais americanizada. Explosões e perseguições para atrair a platéia barulhenta, louca pelo 3d. O típico humor britânico, simples e cheio de insinuações simplesmente desapareceu nessa sequência. O pior é ver piadas do primeiro filme serem requentadas neste segundo. Poucas gags e muitos tiros. E esse desespero da equipe do filme em atrair essa parcela do público, me incomodou bastante.

Óbvio que Atkinson domina muito bem seu próprio personagem. E há alguns momentos engraçados na obra, especialmente quando há piadas sobre a espionagem em si e quando há foco no que English faz melhor: trapalhadas; a cena da cadeira é hilária, mas uma cena não salva um filme. O fato da obra ter uma trama sem graça, já conhecida em outros diversos filmes, além de não existir um bom nome de peso no elenco, com mais carisma do que Atkinson para atrair o público (como John Malkovich, no primeiro filme, quando interpretou o impagável vilão da estória), fizeram desta sequência algo completamente descartável.

Uma pena, pois Johnny English era um personagem que eu gostaria de ver mais vezes nos cinemas. Este filme enterra as possibilidades de mais uma aventura do espião inglês. Infelizmente, uma obra esquecível.

Caos (Chaos, 2005)

2012-01-26T10:59:00.001-08:00

Outro filme do inglês casca-grossa Jason Statham, Caos investe num roteiro razoavelmente esperto, com muitas reviravoltas e outras pegadinhas para os despercebidos. E é interessante ver Statham sem distribuir pancadas no elenco mas mantendo seu temperamento truculento. No filme em questão ele interpreta um improvável policial especializado em negociações. Porque improvável? Ora, um sujeito com a cara e fama do inglês não é o mais adequado para situações tensas e delicadas de negociação com criminosos, convenhamos...

O caso é que ele estava afastado da polícia por uma negociação que deu errado; ele retorna à força em razão da solicitação de um bandido (interpretado no piloto automático por Wesley Snipes), que mantém reféns num banco. O sucesso dos bandidos levará Statham e seu parceiro (Ryan Phillippe) a investigarem uma trama enrolada envolvendo corrupção na polícia e vingança.

O fato de não ter uma cena de ação bacana decepciona. O fato de não ter lutas bacanas, com Statham quebrando alguns dentes decepciona. O fato de Snipes estar completamente apagado também decepciona. Salva-se o roteiro, que não é um primor mas se esforça, e a atuação de Ryan Phillippe que se destaca entre os outros dois atores como o parceiro inteligente do Statham.

Sem grandes inovações, Caos é mais um filme policial com alguns nomes de destaque no elenco e nada a mais. É a mesma estória com novos intérpretes. Se você curte um filminho desses, esquecíveis 5 minutos pós-projeção, então pode alugar sem medo.

Blitz (2011)

2012-01-26T10:52:00.001-08:00

Existem muitas pessoas que não gostam do inglês Jason Statham. Concordo que o cara vem reprisando o mesmo tipo de personagem ao longo de sua filmografia, mas eu não me importo muito com isso. Afinal, não precisa ser nenhum Al Pacino para sair distribuindo bordoada pelo filme. Precisa ser atlético e carismático, coisa que Statham consegue com folga, sendo heroi ou vilão em seus filmes. Em Blitz, ele encarna o policial destemperado em busca de um serial killer de policiais, autodenominado Blitz (Aidan Gillen, que rouba a cena). Blitz vem de blitzkrieg – uma referência que nos dá ideia sobre o caos criado por esse bandido.

O filme ainda conta com algumas tramas paralelas, que são bastante simplórias, na realidade. Tem-se a policial que trabalhava disfarçada nos narcótico e teve de superar seu vício em drogas, advindo de seu trabalho infiltrado (interpretado pela atriz Zawe Ashton, mais comum em filmes e seriados para a televisão britânica).

Temos também o policial interpretado pelo excelente atorPaddy Considine - um cara com poucos papeis em Hollywood. Por isso, é claro que Paddy é mais reconhecido em terras britânicas, principalmente, também, por ter ganhado um BAFTA. Lembro-me até hoje de que existia um forte boato para ele interpretar o Rorschach de Watchmen – uma escolha muito interessante. Fato é que em Blitz ele interpreta um policial muito competente e homossexual – óbvio que este segundo fator será mais lembrado por seus colegas policiais. Com gestos discretos, Considine construiu o personagem mais interessante e profundo do filme inteiro.

O que eu mais gosto nesse filme é o resgate daquele herói do anos 80, que caga e anda para a sociedade e seus superiores. O personagem do Statham desrespeita seus superiores com requinte (como na cena em que ele fala para um psiquiatra que o fato dele usar uma caneta bonita diz muito sobre ele; segundo as palavras do próprio policial o psiquiatra gostaria de "segurar um sólido instrumento fálico em suas mãos").

Não é um filme inesquecível ou original. Mas para os fãs dos policiais cascas-grossas dos anos 80 (como o Cobra, só para ficar com o nome mais óbvio), não há dúvidas de que Blitz tem grandes chances de agradar.

Algumas palavras sobre Taxi Driver

2011-11-09T04:53:00.001-08:00

Um textinho curto pra atualizar o blog nosso de cada dia. Taxi Driver é um dos obrigatórios, filme acima de qualquer suspeita que fui conferir a algumas semanas atrás. Devo dizer que gostei bastante do filme.

Acho que o elenco está sensacional e a estória é muita louca. Mostrar New York - metrópole maravilhosa como um esgoto humano foi um trunfo espetacular por parte de Scorsese. O lado sujo e podre de uma cidade modelo com um anti-herói doido varrendo a sujeira desta cidade continua sendo uma ousadia extrema; tenho a impressão que não há cineasta atualmente que tenha culhões para filmar algo assim.

Sem mencionar o final acachapante, quando Scorsese dá uma tapa na cara da sociedade, que aclama Travis como um herói. Simplesmente sensacional. Na vida real, aconteceria a mesma coisa...

Martyrs (2008)

2011-10-30T09:19:00.001-07:00

Existem muitos admiradores desta película francesa pela internet, saudada como um dos grandes exemplares do terror da década passada. Eu, particularmente, não me impressionei nada com o filme; não é uma obra ruim e tampouco um grande filme.

Na realidade, Martyrs é, para mim, uma espécie de Jogos Mortais melhorado, com uma estória mais interessante e "crível" (com muitas aspas, diga-se de passagem). Aliás, dentro da atual linha de filmes de terror gráficos, recheados de mutilações e tortura, Martyrs é o melhor exemplar mesmo. Só que isso não significa muita coisa, convenhamos...

Existem as cenas pesadas, é claro. Posso dizer, por exemplo, que o começo do filme, quando as duas irmãs chegam na casa de uma determinada família, é espetacular, com muita ousadia do diretor Pascal Laugier. A película vai se mantendo interessante até a metade da fita, quando a tortura começa a rolar solta e a trama tenta se segurar com uma justificativa tão absurda quanto a pseudo-filosofia do moribundo Jigsaw – que tortura pessoas para elas aprenderem a valorizar a vida delas. É uma motivação bastante sem graça, apesar de ter uma mórbida lógica.

E Martyrs caminha para um final extremamente previsível, que eu vejo como o único possível para a obra mesmo. É tão brusco que se você pensar na primeira cena e na última, parece que são dois filmes completamente diferentes. Martyrs divide-se exatamente desta forma: um início arrebatador, terror psicológico dos bons, violência assustadora; a segunda parte é mais violenta, cheia de absurdos explicados por uma motivação maluca. São partes tão díspares que prejudicaram a obra, a meu ver.

Mas é óbvio que para quem gosta de cinema de horror, Martyrs é obrigatório, pois é um exemplar decente com algumas cenas realmente interessantes. Trata-se de um representante digno do atual cinema francês de terror. Além disso, para aqueles que acham que O Albergue ou Jogos Mortais são filmes fortes, sugiro que procure esse Martyrs para ver uma obra que, mesmo com seus erros, é extremamente superior a esses "filmecos" americanos.

Hobo With a Shotgun (2011)

2011-10-29T06:43:00.001-07:00

Estamos presenciando um revival Grindhouse nos cinemas atualmente. A brincadeira começou com o projeto Grindhouse de Tarantino e Rodriguez, que estimulou a produção de inúmeros lançamentos posteriormente. Um destes frutos é Hobo With a Shotgun, um divertido exploitation, bastante violento e maluco estrelado pelo ótimo Rutger Hauer.

O título já evidencia tudo o que precisamos saber sobre a estória: um mendigo com uma escopeta que sairá limpando as ruas da cidade. O tal mendigo é encarnado por Hauer, numa interpretação fantástica. Ele consegue tornar seu personagem num autêntico badass sem se tornar caricato – armadilha fácil de cair para atores menos experientes. A cena em que Hauer faz uma espécie de monólogo frente a uma janela de um berçário é fenomenal.

Sendo um filme exploitation, temos mulheres nuas, violência a todo momento, sensacionalismo – todas os elementos que tornaram os filmes exploitation em pérolas tão divertidas. Trata-se de um autêntico representante deste gênero tão bacana.

Uma curiosidade é a presença de Karim Hussain como diretor de fotografia. Para quem não o conhece de nome, aqui vai a dica: este foi o cavalheiro que dirigiu o transgressor e grotesco Subconscious Cruelty – filme que eu indico somente para os amantes de cinema EXTREMO.

Enfim, Hobo With a Shotgun é o divertimento perfeito para quem procura filmes amalucados e sem um pingo de moral. Provavelmente, o filme mais divertido deste ano.

In Memorian: Robert Blossom (1924-2011)

2011-07-20T13:40:00.000-07:00

Jonah Hex (2010)

2011-07-19T07:47:00.001-07:00

Esta é mais uma obra mandada para a relação de filmes medíocres baseados em excelentes histórias em quadrinhos. Jonah Hex, misto de faroeste e sobrenatural tinha tudo para dar certo: o ótimo material original que renderia uma trama interessante e a acertada escolha do protagonista – o ator Josh Brolin, que não decepciona como o pistoleiro deformado ; contudo, esses fatores não foram utilizados com competência pela equipe da produção, a começar pelo diretor Jimmy Hayard, que faz um trabalho sem nenhuma criatividade, bastante medíocre.

Medíocre é também o roteiro desta adaptação, escrito por um trio de roteiristas que rechearam a trama de clichês e soluções vazias. Os personagens são rasos (com exceção de Jonah Hex – méritos de Brolin), como o vilão Quentin, interpretado por um John Malkovich sem brilho, cujas motivações nunca ficam claras. A mocinha, interpretada pela limitada Megan Fox, está na película só pela necessidade de uma presença feminina, pois sua participação é tão apagada quanto as cenas de ação do filme.

Talvez, se não tivesse um roteiro tão preguiçoso e uma direção tão desprovida de personalidade, Jonah Hex poderia, pelo menos divertir. Parece que misturar faroeste com alguns elementos modernos – estética típica do steampunk – não dá certo nos cinemas, vide o parecido e horrivelmente chato As Loucas Aventuras de James West, também produzido pela Warner...

Quem sabe, dentro de alguns anos, algum roteirista esperto construa uma trama realmente decente e digna de Jonah Hex. Até lá, temos que nos contentar com essa fraca obra, cheia de talentos desperdiçados.

Shaolin (2011)

2011-07-11T13:53:00.001-07:00

Na lista de produções mais esperadas para o ano de 2011, Shaolin era uma das minhas grandes apostas. Para quem viu o espetacular trailer lançado durante o ano passado (assistam ao trailer aqui), era compreensível meu entusiasmo. Muitas cenas de ação, visual incrível e um elenco invejável prometiam um grande filme. Infelizmente, tudo isso ficou na promessa.

Talvez eu esteja sendo muito injusto. E isso é provável, afinal minhas expectativas estavam muito altas e, por isso, minha decepção foi grande.

A verdade é a seguinte: Shaolin entrega grandiosas cenas de ação, lutas incríveis e visual espetacular. Quando digo espetacular e incrível, é porque tais cenas estão no padrão blockbuster de Hollywood, não devendo em nada para um Transformers da vida ou, mais coerente com o filme em questão, O Último Samurai.

Além do visual incrível, tem-se belas atuações, especialmente de Andy Lau e Nicholas Tse, como os dois irmãos protagonistas do filme. E há a participação de Jackie Chan, um ator que gosto muito, num papel onde pouco se explora suas habilidades marciais, com um personagem mais denso e interessante que os tipos interpretados por ele em seus filmes ocidentais, onde ele ficou preso a um estereótipo (felizmente esquecido na refilmagem de Karate Kid).

Afinal, o que deu errado em Shaolin?

Busquei essa resposta durante alguns dias para escrever essa crítica. Depois de pensar bastante sobre o filme, cheguei a seguinte conclusão: o roteiro do filme é muito ruim. Sim, a culpa de eu não ter gostado de Shaolin reside em seu fraquíssimo roteiro, lotado de soluções fáceis e situações risíveis.

A trama de Shaolin centra-se, basicamente, na busca pelo poder entre irmãos, que resulta em muito sofrimento para a população chinesa. Esta busca abrigo e proteção das tropas reais nos arredores de um templo Shaolin. Basicamente, esta é a trama do filme, pois eu não quero dar spoilers...

O caso é que o roteiro apoia-se em seus primeiros trinta minutos nessa disputa de poder entre os irmãos. Após uma previsível reviravolta, o texto foca suas atenções sobre a morte de um determinado personagem, que influenciará na vida dos dois irmãos de maneira decisiva. Neste ponto, o filme decola, pois a interpretação de Andy Lau, bastante desesperado, é explosiva e convincente. E por fim temos o conflito entre os irmãos, num clímax literalmente explosivo, que se resolve de uma maneira óbvia e cômica por sua obviedade.

Sem falar nos outros eixos dramáticos que o roteiro busca, como a presença do colonizador ocidental, sempre malvado e oportunista, e o personagem que não confia em si mesmo e no fundo é muito forte. Enfim, são tipos e situações tão comuns e previsíveis que prejudicam o filme.

Contudo, repito que o filme é muito bonito, num aspecto puramente visual. Parece aqueles presentes com uma embalagem muito bonita que, quando abrimos, descobrimos ser uma meia ou um botão. O resultado é decepcionante.

Ao final da projeção, fica a forte impressão que este foi um filme dirigido por um daqueles vazios diretores de Hollywood, como Michael Bay que orquestra cenas de ação como ninguém, mas falha miseravelmente no quesito emoção. Shaolin se salva de ser um destes blockbusters bestas por ter um momento dramático muito interessante em seu desenrolar. Mas passa muito perto de ser uma película tão vazia como qualquer filme da franquia Piratas do Caribe, por exemplo.

Fritz the Cat (1972)

2011-07-09T07:04:00.001-07:00

Eu realmente não sei o que dizer sobre Fritz the Cat. Acho que a melhor maneira de descrevê-lo é como um excelente retrato de como foram os anos 60 ou, mais especificamente, a mentalidade da juventude naquela época, questionadora e revolucionária, representadas pelo sensacional Fritz, um gato universitário cheio de ideias, paixões e desejos. A vida de Fritz é um misto de protesto, sexo, drogas, mais sexo e música.

Este filme é obrigatório. Sério. Trata-se de uma animação cheia de cinismo e sacanagem, revolucionária em sua época de lançamento, sendo considerado o primeiro longa-metragem de animação pornográfico da história. Esta fama acompanha o filme até hoje, mas Fritz the Cat vai muito além disso: trata-se da representação fantástica de uma geração contestadora e atuante, cheia de energia para lutar pelo que acreditavam, ao contrário da apática juventude atual. Talvez, a exibição de filmes como Fritz the Cat pelos diretórios acadêmicos das universidades brasileiras pudesse trazer uma mensagem e uma reflexão para os jovens. Mas a maioria prefere curtir seu sertanejo universitário ou seu funk batidão.

Talvez, seja por isso que uma melancolia abateu sobre mim após o término do filme. Saber que você faz parte de uma geração apática, que engole todas as porcarias que jogam para nós, sem contestar, é algo deprimente. E quando é um filme que faz você levantar este tipo de questionamento, é de bom tom que qualquer cinéfilo corra atrás do mesmo para tirar suas conclusões e reflexões. Um filme que te convida de uma maneira tão efusiva a formar uma opinião precisa ser visto e revisto por todas as gerações.

Wall Street – O Dinheiro Nunca Dorme (Wall Street – Money Never Sleeps, 2010)

2011-07-04T20:25:00.001-07:00

Em pouco tempo, creio eu, conseguirei realizar um trabalho mais compromissado e bacana com o Midnight Drive-In. Vocês sabem: fim de semestre, provas, disciplinas insistentes e vários fatores uniram-se numa conspiração contra as postagens do blog. Mas, como este espaço não é de lamúrias e sim de cinema (já não estávamos aguentando sua choradeira, Luca), vamos ao que interessa: filmes, filmes e filmes (apesar de que só falarei de um filme hoje, mas vamos lá!).

Sobre o último filme de Oliver Stone, Wall Street – O Dinheiro Nunca Dorme. Gostei bastante, apesar de achar o filme meio longo e com um ritmo bastante irregular. Sem falar na profusão de certos termos técnicos da bolsa de valores que podem deixar leigos (como eu) um pouco perdidos. Entretanto, com uma ótima seleção de elenco que incluem atores consagrados (Susan Sarandon, Frank Langella e Eli Wallach) com novos talentos (o xarope Shia LaBeouf e a maravilhosa Carey Mulligan), Wall Street se mantem muito bem como puro entretenimento.

E é óbvio que o filme só funciona pela presença do emblemático Gordon Gekko encarnado à perfeição por Michael Douglas. Pena que o tempo dele em tela seja relativamente curto. E não vamos esquecer-nos de Josh Brolin, que parece ter finalmente garantido seu espaço em Hollywood. Por fim, Wall Street – O Dinheiro Nunca Dorme é bom. E só.

Volta à Terra Média!

2011-06-23T21:41:00.001-07:00

Caindo no Mundo (Cemetery Junction, 2010)

2011-06-11T07:56:00.001-07:00

Bem adequado o título nacional desta excelente e desconhecida comédia inglesa do ano passado, lançada diretamente em nossas locadoras. A excelência do filme consiste no seu roteiro firme e interessante, típico das comédias inglesas. Ao mesmo tempo em que provoca risadas nos leva a uma profunda reflexão sobre a vida. E é por isso que sou um fã assumido de comédias inglesas. Elas fogem do óbvio...

No filme Caindo no Mundo, a coisa não é diferente: a obra possui um intenso diálogo emocional com o público. É claro que, por ser uma comédia, o filme garante algumas risadas. O roteiro apoia-se em personagens que, invariavelmente, estão ali para produzirem o humor. É o caso, por exemplo, a avó do personagem principal (Anne Reid) e do dono do bar (David Earl, extremamente engraçado). Outros personagens também garantem risos, mas são personagens mais dramáticas.

Basicamente, o tema do filme é sobre o destino. Acompanhamos três jovens que moram em Cemetery Junction. Os três cresceram juntos e agora que chegaram numa das curvas da vida (a saída da adolescência), eles tomarão rumos diferentes em suas histórias. Freddie quer escapar do marasmo da cidade; ele procura um empresário bem sucedido da região (Ralph Fiennes) e começa a vender seguros de vida pela cidade. Bruce é aquele cara que adora brigar, arranjar confusão e sonha em sair da cidade a todo custo, especialmente porque despreza seu pai alcoólatra. Snork é um jovem sem noção, tímido com as mulheres e alvo de gozações.

A história desses três jovens começa a sofrer uma virada quando chega à cidade a filha do tal magnata, Julie. A moça é amiga de Freddie e começa a alertá-lo sobre a efemeridade da vida, de uma maneira indireta, é claro. Após um fatídico baile da empresa de apólices, Freddie tomará uma decisão que irá mudar a vida dos quatro jovens.

Caindo no Mundo conta com um roteiro excelente de Ricky Gervais e Stephen Merchant, a dupla por trás de The Office. O script foge de muitos clichês e é bastante envolvente. A direção ficou por conta dessa dupla também e Gervais faz o papel do pai de Bruce.

No campo das interpretações, é seguro dizer que o elenco está inteiramente excelente. Desde os jovens (com destaque para o intérprete de Bruce – Tom Hughes) até os veteranos como Fiennes, Gervais e Emily Watson estão perfeitos.

Um elemento muito bacana de Caindo no Mundo é sua atmosfera retrô, pois a obra se passa justamente nos anos 70. Como eu li num outro blog, lembra bastante Life on Mars. Além dessa estética, o filme conta com uma trilha sonora magnífica: de Elton John até Led Zeppelin. Aliás, a música de Led Zeppelin é tocada na melhor cena do filme (trata-se da maravilhosa The Rain Song) e encaixa-se perfeitamente com a cena.

Sobre essa música, uma curiosidade interessante é que Gervais escreveu uma carta para a banda implorando para que pudesse usá-la no filme. Eles liberaram-na e Gervais comentou, numa entrevista para o The Guardian, que foi a coisa mais cara do filme.

E, além de toda diversão e primor técnico, Caindo no Mundo nos guarda uma mensagem muito poderosa sobre os rumos que nossas vidas podem tomar. É muito difícil olhar para trás e se arrepender de tudo. Os jovens de Cemetery Junction conseguiram olhar para frente e perceberem que não havia nada por lá, pois o futuro deles seria moldado no presente. Uma obra pouco comentada que merece ser conhecida urgentemente. Sem dúvida, um dos grandes filmes de 2010.

Trailer da Semana: World on a Wire (1973)

2011-06-09T19:57:00.000-07:00

Devo confessar para vocês que nunca assisti (ainda) nenhum filme do prestigiado diretor Rainer Werner Fassbinder. Conheço o trabalho do homem e a fama de seus filmes. Mas, mesmo não tendo assistido nenhuma de suas obras, sei que uma notícia como o relançamento de um filme perdido do diretor alemão deve deixar qualquer cinéfilo bastante atento. O filme em questão é o sci-fi World on a Wire, considerado perdido até pouco tempo atrás. Agora, a película será relançada nos cinemas canadenses. Pode parecer bobeira, mas é necessário que vocês assistam o trailer abaixo para terem uma noção de como seria uma infelicidade se este filme continuasse perdido. Desde já, uma prioridade na minha extensa lista de filmes para assistir...

Piratas do Caribe 4 - Navegando em Águas Misteriosas (Pirates of the Caribbean: On Stranger Tides, 2011)

2011-06-07T09:51:00.001-07:00

Não estava em meus planos assistir o novo Piratas do Caribe nos cinemas. Mas eis que sábado enchi os bolsos de Jerry Bruckheimer, simplesmente pela péssima distribuição de horários do cinema de minha cidade, que me impediu de assistir o novo X-men. Lamentações à parte, farei breves comentários sobre o filme que, de fato, assisti.

Piratas do Caribe – Navegando em Águas Misteriosas é um filme bem razoável. Devo dizer, antes de tudo, que o capítulo 3 desta série foi o único filme na história de minha vida que conseguiu me fazer dormir numa sala de cinema. Então vocês podem imaginar como minhas expectativas estavam "altas" em relação a obra.

Entretanto, ao final de seus 136 minutos, percebi que a nova aventura do pirata Jack Sparrow é superior aos dois últimos filmes da série, o que, convenhamos, não é grande coisa. Neste quarto filme, tem-se a típica salada de referências, presente nos filmes anteriores, com muita ação. São cenas bem orquestradas, mas que não impressionam em momento algum.

Talvez, o maior crédito desta obra seja a escolha do elenco, que incluem os medalhões Johnny Deep e Geoffrey Rush – acostumados em seus papéis, apesar de seus personagens já se mostrarem nitidamente desgastados. O acréscimo de Penélope Cruz e Ian McShane se mostra interessante – e nada além disso.

Percebemos, por fim, que a franquia já está bastante desgastada. Este novo Piratas do Caribe é um triste retrato da falta de criatividade que assombra Hollywood, onde as continuações, remakes e adaptações imperam. Mas, até mesmo essa discussão se mostra clichê; se pelo menos os blockbusters fossem filmes que valessem um ingresso de cinema. Mas, como este Piratas do Caribe, a maioria dos filmes pipoca lançados são esquecíveis e bobos. Quero estar errado, neste ponto, quanto ao novo filme dos mutantes da Marvel.

A História de Ricky (Ricky-Oh, 1991)

2011-05-23T19:10:00.001-07:00

Obrigatório para qualquer pessoa que aprecie o cinema trash, A História de Ricky é um verdadeiro clássico do gênero, que completa 20 anos de idade e permanece tão bom e melhor que muito filme lançado por aí. É claro que é um filme de público limitado, mais indicado para os fãs de cinema bagaceira ou para aqueles que querem se divertir com uma estória absurda regada pelo exagero. Quem tiver cabeça aberta poderá garantir uma sessão, no mínimo, divertida.

Acontece que desde o início do filme, quando o nosso herói Ricky chega à prisão e, ao passar pelo detector de metal, é barrado, pois ele tem algumas balas no corpo resultantes de um tiroteio (ele não as extraiu porque as guarda como lembrança da tal ocasião), A História de Ricky não se leva a sério. O único propósito do filme é nos divertir. E o filme consegue isso com folga.

O motivo pelo qual Ricky é preso é revelado lá pela metade da fita. Basta sabermos que ele será constantemente torturado pelo chefão da prisão, que incita outros presos, extremamente perigosos, a atacarem Ricky. E Ricky tem que lutar contra estes caras para sobreviver.

O problema é que Ricky descobrirá um segredo do diretor da prisão que despertará sua fúria, de tal forma que o filme culminará num desfecho ultraviolento, com muito sangue e violência, além de um improvável moedor de carne gigante!

Trata-se de um filme alucinante, recheado de cenas grotescas e muita porrada. Mas esqueça a beleza das artes marciais porque aqui cada soco decepa a parte do corpo de uma pessoa. Desde membros cruelmente dilacerados, olhos arrancados, intestinos extravasados – todo tipo de violência se faz presente em A História de Ricky, para a alegria dos fãs do cinema oriental gore. O exagero domina.

O bacana é que a estória aposta num maniqueísmo básico e que funciona perfeitamente para não distrair o público do diferencial da obra: o visual absurdo e brutal. Em certos momentos, o filme me lembrou o excepcional Ichi The Killer (leia a crítica aqui), mas sem toda a densidade e crítica que aquela obra carregava.

Mas não estou desmerecendo A História de Ricky, pois este filme é muito bacana mesmo. Em vários momentos eu fiquei rindo de todo o exagero que banhava meus olhos. É um filme realmente único que merece ser conhecido...

The Maze (2010)

2011-05-19T05:29:00.001-07:00

Gostaria de entender a cabeça de certos diretores e produtores. Para que levar uma obra adiante se o seu roteiro é uma porcaria completa? Para que continuar uma filmagem se os seus atores são extremamente ruins? Por que filmar um filme de terror absolutamente previsível e chato, cheio de clichês e com uma tentativa de reviravolta na trama tão patética que chega a dar pena? Enfim, são muitas as perguntas envolvendo o porquê de obras como The Maze existirem; infelizmente, elas estão por aí, e cabe a nós, cinéfilos, assisti-las e alertar os incautos da ruindade da fita.

The Maze (traduzindo: O Labirinto) é um filme de terror, do subgênero slasher (filmes onde se tem um maníaco assassino perseguindo e eliminando o elenco com doses acentuadas de violência). Quando bem feitos, os slasher nos trazem, pelo menos, diversão. A maioria, no entanto, se beneficia de um belo elenco feminino para compensar a falta de inteligência com moças em roupas mínimas. The Maze não consegue ser divertido e não traz o elemento nudez em seus arrastados 90 minutos de duração, tornando a obra numa enrolação incrível e aborrecida, sem mérito algum (a não ser, talvez, quando ela finalmente termina).

5 jovens resolvem entrar num milharal em forma de labirinto no meio de uma noite fria (pois é, deem um desconto para a falta de inteligência dos personagens, senão vocês simplesmente não irão assistir o filme). No labirinto mora um maluco com uma capa vermelha que irá matar cada um destes jovens com suas armas perfurantes e até uma pequena guilhotina artesanal (a única ideia interessante do filme, diga-se de passagem).

Bem, além da trama manjada e desinteressante, vamos falar do que me chamou a atenção negativamente: o visual do assassino é bastante questionável. Tudo bem que na capa do dvd, o vermelho da capa do maníaco com o milharal amarelado criou um efeito bacana. Contudo, no filme em si, o visual é meio ridículo, pois escolheram um ator fraco e magrelo para ser o bandido, parecendo, em muitos momentos, uma criança com capa de chuva em época de carnaval.

Voltando à previsibilidade da película, devo dizer que, para os acostumados com filmes do gênero, será muito fácil descobrir a ordem de mortes dos personagens. Isso sem falar na já comentada tentativa de reviravolta após uma hora de projeção, que tenta soar ímpar e inteligente, mas só consegue ser forçada e boba.

The Maze é também adepto da irritante mania de assustar pelo aumento súbito de sua trilha incidental (muito medíocre, por sinal), recurso utilizado amplamente por realizadores que não conseguem criar o mínimo de suspense com seus atores e com o roteiro que tinha em mãos. Ah! E como esquecer as cenas de morte que não conseguem nem ao menos transmitir agonia para o pobre expectador?

Em The Maze nada funciona. Não consigo imaginar um motivo sequer para indica-lo a qualquer pessoa. Talvez, durante uma maratona de filmes de terror que você vá fazer com seus amigos, The Maze sirva como aquele filme que quebra a tensão – um filme para se deixar rodando no dvd player enquanto o riso e a conversa rolam soltos sobre um filmaço que vocês viram antes. Porque um filme como The Maze não merece ser visto por ninguém, de verdade. Que continue inédito no Brasil!

O que The Maze quer ser quando crescer?

Em Um Mundo Melhor (In a Better World/Haeven 2010)

2011-05-14T20:17:00.001-07:00

O vencedor do Oscar de Melhor Filme Estrangeiro da última edição do prêmio põe no chinelo os outros dez indicados a premiação de melhor filme. Sem brincadeira: o dinamarquês Em Um Mundo Melhor é um drama espetacular que, além de suas proezas cinematográficas, carrega consigo uma mensagem pertinente e relevante para o público.

Numa análise superficial, o filme trata sobre um assunto em voga: o bullying nas escolas. Entretanto, a diretora Susanne Bier foca suas lentes não só sobre a violência nas escolas, mas também em todos os ambientes possíveis e com todas as pessoas que o roteiro acompanha. O centro do turbilhão é o médico Anton (Mikael Persbrandt), um homem que se vê acompanhado pela sombra da maldade, tanto na África, onde trabalha, quanto com seu filho que sofre na mão dos colegas de escola.

Em Um Mundo Melhor ainda conta com a presença do interessante personagem Christian (William J. Nielsen), um jovem que defende o filho do médico dos outros colegas de uma maneira violenta e implacável, mostrando-se como o verdadeiro protótipo de um psicopata. E mesmo assim, nos compadecemos pelo personagem – uma maravilha atingida pela excelente interpretação do jovem ator e o roteiro explêndido.

O que mais me agradou foi a sensação de relevância passada durante a projeção. É fato que a obra sobrevive (e muito bem!) como manifestação artística. A densa estória apresentada parece ser tão plausível no mundo em que vivemos atualmente, onde, praticamente todo dia, somos expostos à situações que envolvem a violência e nós, que nos chamamos de racionais, agimos como animais egoístas.

Além da bela fotografia e elenco afiado, Em Um Mundo Melhor conta com roteiro preciso e uma direção eficiente da diretora Susanne Bier.

A verdade é que Em Um Mundo Melhor é uma obra humanista. Mesmo com toda a violação que transborda na vida dos seus personagens, o final da obra é otimista o suficiente para ainda acreditar nos homens, mesmo estes sendo imperfeitos e tão falhos. Ainda haverá uma centelha de decência e humanidade em nós. É possível existirem finais felizes. É como o personagem autodidata do livro A Náusea, de Sartre, dizia: "Há os homens!". E Susanne Bier afirma, após o fim da projeção: "Há os homens!". E eu concordo. E só por me convencer de que pode existir humanidade entre os homens, este filme já figura entre os melhores do ano.

Assassino à Preço Fixo (The Mechanic, 2011)

2011-05-08T14:33:00.001-07:00

É interessante notar como nós, blogueiros, ás vezes passamos por momentos de crise criativa. Creio que boa parte dessa sensação vem quando passamos a assistir um filme sentindo a obrigação de escrever sobre o mesmo depois. Quando a atualização do blog torna-se uma atividade burocrática, a produção de textos se torna um fardo e o blog fica meio abandonado.

Recentemente, passei por um momento destes. A verdade é que me sinto muito melhor agora para produzir textos mais competentes e bacanas, textos relevantes. E vejo que uma pequena crítica sobre Assassino à Preço Fixo é ideal para a minha atual situação.

Escrevo isso porque Assassino à Preço Fixo é um filme de ação extremamente burocrático e sem graça, que tinha potencial para se tornar, pelo menos, um ótimo filme de ação.

No lugar dessa promessa, ficamos com um exemplar bastante medíocre, que não nos cativa em nenhum momento. Reuniu-se um elenco competente e um diretor razoável (que de vez em quando acerta) em torno da refilmagem de um filme do saudoso Charles Bronson. Poderia ter dado certo, mas todos os excessos de um filme de ação hollywoodiano foram reunidos aqui, numa produção barulhenta e vazia, sem o menor impacto que poderia ter causado sobre o público.

Uma pena, pois é triste vermos Jason Statham sendo desperdiçado, pois o cara tem muito carisma e talento para as cenas de ação. Aqui ele interpreta um assassino profissional bastante competente, que acabará treinando o filho de seu tutor (Ben Foster), que se mostrará um rapaz impetuoso, mas com futuro no ramo dos assassinatos.

O meu problema não é nem com seu roteiro trivial, mas sim com a maneira como o diretor Simon West conduz a estória. No início, o filme começa com estilo, uma narração em off bacana, mostrando a organização do personagem principal e alguns aspectos psicológicos do mesmo. Após, mais ou menos, meia hora de projeção, o filme amontoa cenas de ação e uma trama arranjada às pressas de uma vítima importante para o assassino – enfim, o filme parece ser bastante atropelado de sua metade para o final.

Foster e Statham até seguram bem o filme, mas não adianta se o diretor e a edição da obra destroem qualquer aspecto positivo da atuação de ambos. Me pergunto: para que mostrar uma cena de luta em que mal podemos ver os movimentos do ator principal? Para que montar sequências que mais parecem videoclipes ruins passados no top 10 da MTV? Para que criar cenas de ação que destroem completamente o clima de realismo que o diretor tentou imprimir no início da obra? Pois é, também não entendo.

Em certos momentos, a obra lembra aquelas produções de ação lançadas diretamente para a televisão, cheias de maneirismos visuais e com uma edição toda picotada, em que mal podemos entender como se passa a cena de luta, tamanho o nervosismo da câmera...

Sabendo da existência de uma versão original deste filme, terei que correr atrás da mesma para assistí-la. Contudo, é praticamente certeza que o original dará um banho nesta versão anabolizada para o século XXI. Melhor sorte da próxima vez Statham!

O que a Troma nos reserva para este ano: Father's Day (2011)

2011-05-05T17:38:00.000-07:00

Um Dia de Cão (Dog Day Afternoon, 1975)

2011-04-22T10:41:00.001-07:00

Um Dia de Cão começa de uma maneira incrivelmente tensa. Tudo que poderia dar errado num assalto a banco acontece com Sonny e Sal (Al Pacino e John Cazale, respectivamente), dois ladrões que são abandonados pelo terceiro comparsa, rendem um número bem maior de reféns e acabam despertando a atenção de transeuntes, o que ocasiona na rápida chegada da polícia ao local. O banco é cercado e os dois comparsas são obrigados a sustentar uma situação impossível para tentarem escapar da polícia. As negociações são tensas e você chega a acreditar que o impossível ocorrerá, mas em seu epílogo somos brutalmente surpreendidos pela realidade. E, como o pôster do filme já afirmava, o resto virou história.

Trata-se de um filme sobre um acontecimento extraordinário, que mudou por uma tarde a cidade de New York. Sonny tornou-se um herói para o povo durante uma tarde após sair do banco gritando "Attica! Attica!" – uma referência à rebelião ocorrida no presídio de Attica, em New York, que culminou na morte de 39 pessoas. Sonny pensava ter o controle da situação, cativando uma multidão de curiosos. Mas ele, bastante ingênuo, não percebeu que desde o momento que a polícia cercou o banco ele não tinha mais o controle da situação.

Acredito, aliás, que ingenuidade é a palavra que define Sonny e Sal. Na excelente atuação de Al Pacino, Sonny é um sujeito em ebulição, carismático; contudo, sua energia vai sendo apagada aos poucos, quando ele percebe que a situação em que se meteu foi a troco de nada. No terço final da obra ele diz que "está morrendo aos poucos". Isto é um fato, pois a medida que o tempo passa, a situação vai se esgotando, principalmente após a chegada do agente do FBI, Sheldon (James Broderick), que substitui o estabanado condutor das negociações, o detetive Moretti (Charles Durning). E a atuação de Pacino é precisa, pois vemos a exaustão e o desgaste que toma conta dele ao desenrolar da história. Sonny percebe, aos poucos, que não haverá volta para o que eles fizeram.

Já Sal é ingênuo, ignorante, fanático e, por tudo isso, perigoso. Logo no início da obra ele afirma a Sonny que está pronto para ir até o fim e, se precisar, matará os reféns, Vejo Sal como uma pessoa fácil de manobrar ideologicamente, disposto a fazer maldades se convencida a fazer isto, mas que não possui livre arbítrio algum. Por isso, chamo o personagem de ingênuo. E a interpretação de John Cazale é ótima também, pois desde sua postura corporal até seu visual passam várias impressões de seu personagem.

E nesse ponto devemos analisar a fantástica direção do mestre Sidney Lumet. O sentimento de tensão passado é perfeito – sentimos o nervosismo dos ladrões durante o tempo todo. Sem falar em como são traçados profundos perfis psicológicos de seus personagens com tão pouco. É claro que os excelentes atores escolhidos fizeram a diferença, mas o crédito por passar parte da carga emocional dos atores recai sobre Lumet. Sem falar nas cenas maravilhosas no interior do banco, tomadas em que Lumet mostrou seu domínio em lugares fechados (como mostrou no insuperável 12 Homens e uma Sentença).

Uma saborosa informação em torno de Um Dia de Cão é que o filme foi feito quase que inteiramente no improviso quanto aos seus diálogos. Cenas marcantes como Al Pacino gritando "Attica!", a conversa entre Al Pacino e seu amante (numa interpretação fenomenal de Chris Sarandon) e a resposta de Sal quando Sonny lhe pergunta para qual país ele gostaria de ir foram todas realizadas no improviso.

Mais uma curiosidade interessante é a participação de um jovem Lance Henriksen como um agente do FBI. Henriksen participou dos testes para o papel de Chris Sarandon, mas não foi escolhido para este papel.

Seu final frustrante é uma mostra de como a vida é realmente. Um dia de Cão é um verdadeiro patrimônio cinematográfico, um filme que pode ser chamado de perfeito. Apesar de não ter gostado muito do epílogo, creio que ele representa exatamente o que Sidney Lumet queria nos mostrar: existem momentos únicos na vida que, por mais incríveis que possam parecer, eles passam e a vida continua a revelia do destino de seus personagens principais.

Serpico (1973)

2011-04-21T16:00:00.001-07:00

Com a morte do grande cineasta Sidney Lumet resolvi visitar alguns clássicos de sua respeitável filmografia. Por isso, não estranhem se nos próximos dias vocês virem várias críticas de filmes de Lumet no Midnight Drive-In.

Comecemos esta pequena jornada com o filmaço policial Serpico, sobre um tira honesto em New York que denuncia um esquema corrupto envolvendo colegas policiais. E, obviamente, o policial Frank Serpico (numa atuação excelente de Al Pacino) sofrerá várias consequências por ser aquele quem denuncia os desvios de seus semelhantes.

Trata-se de um filme com uma temática muito poderosa. E demorou muito para eu compreender as motivações de Serpico para que ele se expusesse tanto diante de seus colegas policiais. Existiriam homens dispostos a sacrificarem suas vidas em nome do que é justo? Serpico torna-se um mártir ao longo da projeção, mesmo que de maneira involuntária. Ele é o sujeito que sempre sonhou em ser policial e, quando entrou na corporação e viu a podridão que a cercava, resolveu denunciar os policiais corruptos e o descaso de seus superiores em investigar os tiras sujos.

Esse esplêndido dilema moral persegue Serpico durante o filme inteiro. E Sidney Lumet expressa isto com maestria, junto, claro, da atuação muito boa de Al Pacino – um homem que tenta lutar contra um sistema desonesto. A trilha sonora, bastante dramática, fica em sintonia com o tom da obra.

É interessante reparar em como os filmes de Lumet possuem uma carga moral sempre intensa. A única obra que eu tinha assistido dele (12 Homens e Uma Sentença) e Serpico são semelhantes no que diz respeito a busca por justiça de seus personagens principais. Em 12 Homens, Henry Fonda procura fazer o julgamento justo como um jurado num caso de assassinato; Serpico procura fazer um bom trabalho como policial, de maneira honesta e digna.

Serpico (o filme) contém várias cenas interessantes. Filmado em New York, o filme tem um clima de policial urbano e decadente muito condizente com o espírito da obra. Entre os momentos mais marcantes, temos o momento em que Serpico irá prender um agiota que é amigo dos policiais sujos, a cena em que ele é baleado e a cena do hospital, em seu epílogo, quando Al Pacino mostra porque é um dos melhores atores de todos os tempos.

Sidney Lumet nos apresentou, enfim, um filme policial muito bom, com um intenso diálogo moral. Apesar de não ser um filme superpremiado (coisa que, no final das contas, não significa nada), Serpico é um dos clássicos do cinema norte-americano. Muito bom mesmo.

Red - Aposentados e Perigosos (Red, 2010)

2011-04-21T12:18:00.001-07:00

Posso contar nos dedos de uma das mãos o número de vezes que fui ao cinema durante o ano passado. E, de todos os filmes do ano passado, afirmo, com folga, que Red foi o que mais me surpreendeu e me divertiu.

E como é bom quando somos surpreendidos pelas qualidades de um filme! É justo e correto afirmar que Red não traz absolutamente nenhuma novidade para o mundo do cinema. Todavia, Red apresenta um elemento raro nas superproduções hollywoodianas: um elenco perfeito e em total sintonia com o espírito da obra.

Incrível como o grupo de atores escolhidos faz seu trabalho incrivelmente bem, sem excessos ou canastrice, numa obra que poderia dar margem a estes defeitos. A estória é muito simples, sobre ex-agentes da inteligência americana que, após terem se aposentado, são ameaçados de morte em razão de um segredo de um político americano do alto-escalão.

Todos estão muitíssimo bem, mas gostaria de destacar Karl Urban, que é dos melhores atores de sua geração. Aqui, ele consegue criar simpatia num personagem que, inicialmente, sentimos raiva. Mary-Louise Park também está uma graça como a mocinha do filme.

O restante do elenco desempenha seus papeis com perfeição. Bruce Willis reprisa, de maneira eficiente, o papel de cara durão; Helen Mirren esbanja charme como uma assassina cheia de classe; Morgan Freeman é o experiente e gaiato assassino; John Malkovich é o matador pirado e paranoico; Brian Cox e Richard Dreyfuss completam esse timaço de atores. Ah! E como se esquecer de Ernest Borgnine como o guardião dos arquivos da CIA.

Red é um dos filmes mais divertidos que eu já assisti. Um exemplo perfeito de como um filme-pipoca deve ser: divertido, descompromissado e bem feito. Sem dúvida, uma surpresa muito agradável.

Cisne Negro (Black Swan, 2010)

2011-04-17T10:06:00.001-07:00

Até, mais ou menos, a metade do filme, estava achando Cisne Negro tão morno quanto sua protagonista Nina (Natalie Portman), uma inocente bailarina que ganha o papel principal na peça O Lago dos Cisnes. A moça é perfeita para ser a Rainha dos Cisnes, porém como Cisne Negro a moça não convence. E à medida que ela mergulha mais fundo em busca de seu próprio lado negro, embarcaremos num espiral de loucura, medo e tensão magistralmente filmados por Darren Aronofsky e personificados intensamente por Natalie Portman.

Não pretendo fazer uma resenha longa, pois Cisne Negro já foi exaustivamente analisado em toda blogosfera. Devo dizer que se trata de um trabalho realmente diferenciado, mas como mencionei anteriormente, que realmente decola em seu epílogo, no momento da apresentação d'O Lago dos Cisnes.

Fato é que certas pessoas precisam de um gatilho para a loucura tomar conta de suas vidas e Nina encontra seu gatilho nas pressões do diretor de balé (Vincent Cassel, que está excelente) e na inveja de suas colegas bailarinas (encabeçadas por Mila Kunis). Nina consegue atingir o seu lado negro, mas a que custo? Creio que esta é, afinal, a grande mensagem do filme: a loucura só precisa de um estímulo para tomar conta da vida de uma pessoa.

Cisne Negro é um grande filme, cheio de tensão e beleza. Não é, de forma alguma, o melhor filme de Aronofsky, mas trata-se de uma sólida realização numa carreira esplêndida. Sem dúvida, Aronofsky é um dos grandes!

O Turista (The Tourist, 2010)

2011-04-09T20:05:00.000-07:00

Um filme formidável. O Turista parece ter saído das páginas de um livro de um bom livro de espionagem, com sua trama envolvente e ritmo agradável. A estória é contada pelo diretor Florian Henckel von Donnersmarck sem solavancos, com tomadas belas e fotografia perfeita, tendo como pano de fundo Veneza. O casal Angelina Jolie e Johnny Depp desempenham seus papeis com segurança, revelando uma química surpreendente e crível entre os dois.

O filme tramita entre o assumido thriller de espionagem com pitadas de humor, me lembrando, em alguns momentos, o sensacional e superior A Casa da Rússia. Aqui, os agentes da inteligência são tratados com uma comicidade discreta, simbolizados, especialmente, pelo estabanado agente vivido por Paul Bettany.

Não temos desempenhos memoráveis ou um final surpreendente (pelo menos para mim...). O que O Turista nos reserva é uma estória bem contada aliada a uma produção requintada e uma direção segura e cheio de estilo. Para alguns isto é pouco, mas dada as últimas safras hollywoodianas, um filme com estes elementos positivos já bastam para mim.

In Memorian: Sidney Lumet (1924-2011)

2011-04-09T19:59:00.001-07:00

Apocalipse Now (Apocalypse Now, 1979)

2011-04-06T16:07:00.001-07:00

Difícil escapar do clichê quando se pretende falar sobre um filme tão cultuado e analisado como Apocalypse Now. Provavelmente, o exemplar mais delirante sobre o horror da guerra, a obra de Francis Ford Coppola tornou-se uma lenda no mundo cinematográfico pelas dificuldades enfrentadas durante sua produção. Orçamento estourado, prazos desrespeitados, problemas com os atores (o famoso descaso de Marlon Brando com a obra) e inúmeros reveses pontuaram o filme, de tal maneira que estes foram refletidos para o filme, tornando Apocalypse Now num filme exaustivo e, em alguns momentos, genial.

Trata-se de um filme carregado, por vezes incompreensível e alucinado. Não há como negar: a obra é, de fato, um clássico. Entretanto, Apocalypse Now justifica um bordão famoso de maneira adequada: às vezes, menos é mais...

Apocalipse reflete perfeitamente a geração dos anos 70, a energia, ainda latente, dos movimentos estudantis contra a guerra, aliada ao auge do consumo de drogas lisérgicas, vindas dos anos 60.

Existe uma mensagem muito clara em Apocalipse Now, mas esta chega de maneira simbólica e, por vezes, incompreensível. Como explicar, por exemplo, o epílogo, quando Willard (Martin Sheen) finalmente encontra o coronel Kurtz (Brando), numa espécie de reino encravado na floresta – esta parte da obra soa, inicialmente, deslocada e estranha. Mas por se tratar de uma guerra tão sem sentido, como foi o Vietnã, é natural que uma loucura como esta desfile pela tela.

E é interessante ver como Apocalipse Now constrói e desconstrói o gênero de guerra neste filme. Impossível esquecer o ataque de helicópteros ao som da Cavalgada das Valquírias, uma das cenas mais marcantes da história do cinema; ela mostra a face óbvia deste filme, a guerra e sua grandiosidade/destruição. E boa parte do filme foca suas lentes sobre as pessoas que participam da batalha: jovens tolos, loucos, homens medrosos e pessoas que perderam sua fé na própria vida (que é o caso do capitão Willard). Pensava-se que guerras eram feitas com homens bravos, mas como sustentar esta tese após a cena em que um barco de civis é metralhado por soldados americanos...

E é por momentos de intensa análise emocional como este que considerei Apocalipse Now um grande filme, um marco. E o filme segue bem até o seu final. O fim da busca de Willard por Kurtz representa o ápice da incompreensão ante esta guerra. Kurtz é considerado um lunático pelos oficiais americanos, mas estes não seriam loucos também por aceitarem o sacrifício de vidas numa luta sem sentido?

Falando nos aspectos mais óbvios do filme, o clímax marca a decepção de minha parte quanto a presença de Marlon Brando, que soa deslocada e desleixada. Uma atuação, francamente, medíocre, considerando a carreira deste grande astro.

Assim, Apocalipse Now projeta-se como uma das obras mais poderosas já criadas por um diretor. Contudo, ela poderia ser um pouco mais acessível, para nós, seres mortais, que muitas vezes só querem assistir algo que possamos compreender. Mas, pensando bem, como entendermos algo tão atroz e vergonhoso como a Guerra do Vietnã? Não tem explicação...

Tiras em Apuros (Cop Out, 2010)

2011-04-03T12:31:00.001-07:00

Quando se reúnem vários talentos num mesmo projeto, é natural que as expectativas sobre o mesmo sejam muito altas. No caso de Tiras em Apuros, uniram-se um diretor/roteirista muito talentoso, exímio criador de diálogos engraçados e inteligentes (Kevin Smith), e um grande astro de filmes de ação (Bruce Willis) para fazerem, juntos, um filme de dupla policial. O resultado é um filme divertido, com boas ideias e algumas atuações ótimas, mas que fica aquém do esperado devido os nomes envolvidos na obra.

Mas, na contramão das inúmeras críticas negativas, eu afirmo que o filme é bem legalzinho e me agradou bastante durante sua projeção. A começar por sua trama inusitada que envolve a dupla policial (Willis e o comediante Tracy Morgan) em busca de uma figurinha rara de colecionador, daqueles cards com um jogador de baseball. Eles acabam se envolvendo com um bandidão latino que adora baseball (Juan Carlos Hernández) e que está relacionado com uma série de assassinatos.

Tiras em Apuros segue a cartilha dos filmes de dupla policial, mas falha no elemento principal dos filmes do gênero: a dupla não tem entrosamento. Willis e Morgan não possuem sintonia alguma e não soam críveis como parceiros. Difícil dizer de quem é a culpa, mas acho que ela recai no roteiro, pois há poucas cenas em que você acredita numa amizade entre os dois policiais.

Mas isso não significa que os protagonistas estejam ruins. Willis não se destaca, mas Tracy Morgan está muito engraçado, especialmente nas cenas em que ele aparece sozinho (como no início do filme, quando ele arranca a confissão de um sujeito). O filme ainda traz Kevin Pollak e Adam Brody como outra dupla policial (que em certos momentos é mais engraçada que a dupla principal) e um Seann William Scott simplesmente hilário como um bandido pé-de-chinelo que tem a mania irritante de repetir o que os outros falam; ele é o dono das melhores cenas do filme, principalmente aquela em que ele irrita Tracy Morgan no carro.

É interessante ver que este é o primeiro filme dirigido por Kevin Smith que ele não escreveu. E a maior falha de Tiras em Apuros é seu roteiro mediano, com várias boas ideias que resultariam num ótimo filme, se fossem sustentadas por uma base mais eficiente. Os personagens principais poderiam ser mais bem construídos, assim como a relação entre eles, tornando a estória mais crível e envolvente. É nessas horas que você percebe como Shane Black (roteirista de Máquina Mortífera e outros filmes de duplas policiais) é um mestre do gênero. O mais intrigante é que este roteiro estava na Black List de 2008 (lista dos melhores roteiros não produzidos daquele ano).

Mas, mesmo entre inúmeros erros e acertos, Tiras em Apuros ainda me divertiu, principalmente pelas suas boas ideias e por eu adorar filmes de dupla policial. Poderia ser bem mais legal, mas ainda diverte pra caramba.

Trailer da Semana: The Disco Exorcist (2010)

2011-03-30T13:44:00.000-07:00

Num dia de notícias bacanas para cinéfilos brasileiros amantes do cinema de horror (refiro-me à vinda do grande diretor italiano Lamberto Bava para o Fantaspoa deste ano!!), nada melhor do que um bom trailer do gênero para nos deixar na expectativa de assistir, futuramente, a um bom filme de horror. Neste caso, não sei se podemos chamar The Disco Exorcist de terror, pois só este nome me provoca risos; contudo, mesmo não provocando espécie alguma de susto, o trailer de The Disco Exorcist causa um sentimento de nostalgia para os amantes de filmes B e exploitations. E, segundo alguns sites gringos, o filme até provoca medo em alguns momentos... Enfim, se te assusta ou não, é só dar um play aqui embaixo para você tirar uma conclusão. Uma coisa é certa: a crítica dele será devidamente postada, em breve, aqui.

Sucker Punch (2011)

2011-03-28T19:08:00.001-07:00

No dia de hoje eu senti uma necessidade imensa de correr para uma sala de cinema para esquecer minhas aflições e problemas do cotidiano. Enfim, queria mergulhar em algum universo onírico e maravilhoso, assim como a protagonista de Sucker Punch, a bela Baby Doll (Emily Browning), faz para esquecer a triste realidade que a cerca.

Baby Doll acaba de perder a mãe e seu padrasto não é um bom sujeito. O homem tenta violentar Baby e sua irmã, resultando na morte da irmã e na injusta acusação de Baby como assassina de sua própria irmãzinha por instabilidade psicológica. A menina acaba sendo internada num hospício onde sofrerá o processo de lobotomia em 5 dias.

A estória sofre uma guinada neste momento e somos introduzidos a um novo universo, com as mesmas pessoas, mas num ambiente diferente. Ao invés de um hospício, temos um bar cabaret/prostíbulo onde as pacientes tornaram-se dançarinas sensuais e Baby Doll resolve fugir com mais quatro garotas dançarinas. E esta fuga envolverá muito perigo e imaginação.

Pois é: bem complicado escrever uma sinopse sem revelar todas as surpresas e nuances da nova obra de Zack Snyder. O estilo de sua direção, com músicas consagradas "dialogando" com as cenas, tomadas visualmente únicas de cenas de ação e um visual muito belo e apurado se faz presente. Apesar de muitos criticarem, eu até gosto do trabalho de Snyder atrás das câmeras, mas não há como negar que este diretor não possui o tato em cenas sentimentais, substituindo esta deficiência com músicas consagradas; neste caso, temos desde Eurythmics (cuja canção Sweet Dreams é cantada por Browning) até Jefferson Airplane, que melhor expressam os sentimentos de seus personagens.

Sobre as cenas de ação, devo dizer que elas são eficientes, mas algumas delas (mais especificamente o encontro de Baby com alguns samurais anabolizados) não funcionam, parecendo fases de videogame. Mas em outras cenas, como a sequência nas trincheiras e no trem funcionam extremamente bem.

Gostei bastante da escolha de elenco em Sucker Punch. Afinal, não é sempre que vemos cinco belas moças sendo protagonistas de uma obra de ação e chutando os traseiros de monstros com máscaras de gás e dragões furiosos. Tal elenco foi bem escolhido, apesar de existirem alguns momentos de inexpressividade de Browning. Têm-se, ainda, as ilustres presenças de Carla Gugino (irreconhecível, diga-se de passagem) e o bom e velho Scott Glenn. O vilão ficou para o (ainda) desconhecido ator guatemalteco Oscar Isaac, que fez um ótimo trabalho aqui.

Das cinco moças, o maior destaque vai para Jena Malone, que dá um show interpretando a desesperada Rocket. As outras moças fazem bem seus papéis, mas não há destaques maiores.

Apesar das cenas mirabolantes de ação, Snyder tem uma espécie de "desculpa" para que elas estejam ali, misturando cultura oriental (espadas e samurais), lendas medievais (dragões e castelos) e estética steampunk (com direito a zepelins e máscara de gases). Essa mistura tem justificativa por se tratar da imaginação de Baby Doll, a maior arma que ela tem contra todos os assédios e injustiças que sofre.

Snyder criou um universo único e interessante. O que eu gostei foi este compromisso em criar uma obra para se mergulhar de cabeça durante sua projeção, e fazemos isto junto de Baby Doll. Apesar das impiedosas críticas e da bilheteria tímida, recomendo Sucker Punch, por se tratar de uma estória original, bastante envolvente e com um visual, no mínimo, interessante. Bom entretenimento com suas falhas e acertos, mas, ainda assim, bom entretenimento.

Um Segredo Entre Nós (Fireflies in the Garden, 2008)

2011-03-27T14:31:00.001-07:00

É incrível quando a união de várias pessoas competentes pode resultar em experiências recompensadoras. Um Segredo Entre Nós é um bom exemplo de como se fazer um filme dramático denso e relevante. Eu, particularmente, não sou um grande fã de melodramas, mas confesso que me surpreendi com esta obra em questão.

Não há novidades narrativas aqui: a estória gira em torno de uma família cheia de problemas e "esqueletos no armário". Quando ocorre uma tragédia com a matriarca da família (Julia Roberts), as feridas destas pessoas são expostas, unindo passado e presente de uma maneira bastante incômoda.

Creio que o grande tema do filme é que o tempo não cura nada, como muitos acreditam. Existe uma hora em que somos confrontados pelos problemas da vida e não há como fugirmos. O personagem principal, o escritor Michael (um ótimo desempenho de Ryan Reynolds), deverá superar todos os problemas que teve com seu rígido pai (Willem Dafoe) durante sua juventude. Quando ambos se resolverem, pode ser que a vida torne a entrar nos eixos. Caso contrário, ela desmoronará.

É preciso salientar o trabalho exemplar do elenco. Roberts, Reynolds e Dafoe estão excelentes e os coadjuvantes também estão incríveis (Emily Watson e Ioan Gruffudd são os destaques). O diretor Dennis Lee conduz a obra com estilo e segurança, sendo também um destaque.

Um Segredo Entre Nós é um drama interessante e bem dirigido, sem muitas novidades para o gênero. Mas trata-se de uma estória bem contada com belas atuações, além de um final bacana. Para mim, já foi o suficiente.

In memorian: Elizabeth Taylor (1932-2011)

2011-03-23T07:29:00.000-07:00

Marcelino Pão e Vinho (Marcelino Pan y Vino, 1955)

2011-03-21T19:40:00.001-07:00

A trama do jovem órfão abandonado na porta de um mosteiro que acabará sendo criado por bondosos monges já se tornou um clássico. Desde desenhos animados até paródias e homenagens (como em Nacho Libre, de Jack Black), Marcelino Pão e Vinho tornou-se uma referência em todos os sentidos, em diversas mídias.

Esta estória foi extraída de uma lenda medieval, num volume de Afonso, o Sábio – um rei espanhol. A lenda foi modernizada e transformada em livro e filme, que foram grandes sucessos, tendo o filme ganhado dois prêmios em Cannes e concorrido à Palma de Ouro.

E não é para menos. Afinal, tem-se uma produção muito bela e tocante, que ainda encanta após mais de meio século de sua estreia nos cinemas. Apesar de ter um forte cunho religioso, a obra supera qualquer crença da face da terra ao abordar um tema magnífico, encantador e universal: a inocência de uma criança, que neste caso tem a face do jovem Pablito Calvo como o travesso e bondoso órfão.

O filme acompanha a convivência do jovem Marcelino no mosteiro, fazendo travessuras e ajudando os religiosos, carregando em sua precoce vida o fardo de não ter conhecido sua mãe.

O diretor Ladislao Vajda captou perfeitamente a inocência da idade infantil, mesclando com temas fortes e polêmicos como perdas e religiosidade, transformando Marcelino Pão e Vinho num incontestável clássico europeu. Existe bastante religião na obra (especialmente em seu epílogo), mas nada que ofenda qualquer espécie de doutrina ou crença religiosa.

Ao final da sessão, fica-se o seguinte pensamento: já não se fazem mais filmes como este. E isso, é uma pena.

In Memorian: Michael Gough (1917-2011)

2011-03-17T15:40:00.000-07:00

O Vencedor (The Fighter, 2010)

2011-03-12T18:58:00.001-08:00

E mais uma vez, a nobre arte tomou as salas de cinemas. O boxe sempre foi um esporte poderoso em suas metáforas e extensões sentimentais, que ultrapassam as cordas do ringue para a vida dos lutadores, representando dramas, conquistas, sofrimentos e vitórias. Em O Vencedor, tem-se a história real de um boxeador que outrora fora brilhante no ringue, mas fracassou na vida pessoal ao afundar no mundo das drogas. E ele quase arrastou, sem querer, seu irmão mais novo para o fracasso, sendo agente e treinador do mesmo. A história de superação de ambos é o foco deste filme de David O. Russell.

Grandes atuações, especialmente de Christian Bale e Melissa Leo (vencedores do Oscar deste ano), além, é claro, de Mark Whalberg e Amy Adams, também ótimos. A direção é ótima, com muito vigor e personalidade. Incrível como O. Russell foge dos clichês, fazendo um filme de boxe completamente diferente de outras obras do gênero.

Contudo, há um grande problema em O Vencedor: a última luta não cativa e nem arranca emoção da plateia como ocorria em Rocky (em qualquer um dos seis filmes da série, a última luta sempre foi emocionante). Uma pena que o filme falhe neste momento que deveria ser de glória absoluta. Também senti falta de uma trilha incidental mais envolvente e poderosa.

É um bom filme, que mereceu cada um de seus prêmios. Mas uma pena que seu clímax não tenha a mesma força que seu protagonista Micky Ward.

Game of Death (2010)

2011-03-08T18:28:00.001-08:00

Vocês já notaram como poucos filmes de ação de verdade são lançados no cinema? Quando digo filmes de ação de verdade, refiro-me aqueles filmes onde se têm tiroteios, perseguições de carro, muita porrada e um astro que segura a obra praticamente sozinho, com suas habilidades marciais e seu eterno senso por justiça. Em filmes de ação de verdade não há efeitos especiais para distrair o expectador. A estória é, por vezes, a mesma já contada em vários outros filmes. O vilão é quase sempre um sujeito genuinamente mau e quanto mais dolorosa sua morte, melhor. Enfim, as coisas são simples no cinema de ação de verdade e é por isso que eu adoro estas obras: são filmes honestos com o seu público, com o objetivo único de garantir diversão.

Uma pena, porém, que estes filmes não tenham mais espaço nas salas de cinema. E os atores que antes eram amados pelo público e venerado pelos jovens são, hoje, astros das videolocadoras, com seus filmes sendo relegados a uma circulação mais limitada.

Dentre estes astros, Wesley Snipes é um dos que resistem com este tipo de cinema, lançando pelo menos um filme do gênero por ano. E para quem gosta de filme de ação, sabe-se muito bem que Snipes é um mestre no que faz. Além de fazer suas cenas de ação de maneira eficiente, incluindo lutas bem coreografadas, ele atua de verdade, criando personagens diferentes e marcantes ao longo de sua filmografia. São personagens injustiçados pelo sistema, perseguidos pelo governo, mas que mantêm a ética inabalada, sempre do lado do bem – um elemento definitivamente maniqueísta, convenhamos.

Em sua última incursão no cinema, Wesley Snipes somou acertos e erros, resultando em Game of Death, uma obra muito divertida, mas que só será realmente divertida para quem aprecia este tipo de cinema. Afinal, tem-se um filme com ótimas cenas de ação, um vilão bem feito (cortesia do veterano em fitas de ação Gary Daniels); entretanto, parece que estamos vendo o mesmo filme pela centésima vez, tamanha sua semelhança com várias outras obras do ator como O Agente e US Marshalls.

Neste filme, Snipes é um agente da CIA que trabalha disfarçado como segurança de um mafioso (Robert Davi). O bandidão irá fazer uma transição financeira e a equipe de Snipes resolve roubar a grana. O problema é que Snipes não se tornará um bandido por um punhado de dólares e caberá a ele matar estes agentes corruptos que tentaram assassinar nosso herói, mas também incriminá-lo.

Apesar de Game of Death estar recheado de maneirismos visuais que prejudicam a fluidez da obra (especialmente a edição picotada, que tornam as cenas de luta difíceis de acompanhar – entretanto, neste filme em questão, as lutas são bem coreografadas). Mas fora este detalhe, Game of Death agrada por ter como ator principal Snipes, um sujeito carismático que consegue ser um "badass" sem se tornar um vilão.

Trata-se de um filme com público alvo limitado. Mas se você curte um filminho de ação, Game of Death é a obra certa. Simples como seu roteiro manjado, Game of Death não será, provavelmente, lembrado após seus 80 minutos de ação; mas que durante estes 80 minutos você se divertirá, isso eu garanto.

Em defesa de Nicolas Cage: Especial de Três Críticas

2011-03-07T13:35:00.001-08:00

Não tem jeito: quando a "crítica especializada" resolve pegar no pé de um ator, todos os filmes do mesmo tornam-se intragáveis. Nicolas Cage tornou-se o alvo preferido dos jornalistas, sendo chamado de canastrão e sofrendo críticas até pelo seu próprio corte de cabelo – enfim, uma grande palhaçada.

É claro que o ator fez algumas escolhas equivocadas de projeto. Como não lembrarmos, por exemplo, de O Sacrifício? E o fraquíssimo O Vidente? Sim, o homem fez algumas escolhas infelizes.

Mas é dureza vermos um pessoal afirmar, por exemplo, que Nic Cage não faz nada decente desde Adaptação, de 2002. Por acaso eles não se lembram do excepcional O Senhor das Armas? E As Torres Gêmeas? Sem falar nos divertidos Motoqueiro Fantasma e Kick-Ass. Em todos estes e em outras películas, Cage sempre cumpre seu papel muito bem, sem atuações impressionantes ou marcantes (com exceção de O Senhor das Armas, que é uma das melhores intepretações da vasta carreira de Cage), mas sempre competentes.

A verdade é a seguinte: Nicolas Cage é mais uma vítima de um mal que ataca uma grande parcela dos críticos – a generalização. Penso que por ele não ter sido premiado por nenhum filme pós-Adaptação (a não ser pelo filme Vício Frenético, que eu não assisti), as pessoas resolveram detonar seus últimos filmes.

Por isso, faço esta postagem em defesa deste ótimo ator com uma carreira respeitável e muito interessante. Por ter assistido a alguns filmes do cara nas últimas semanas, fiz esta postagem sobre três filmes dele. Interessante que o mais fraquinho deles é de 2001, antes do venerado Adaptação. Vamos às críticas então:

Uma insípida estória de amor na Grécia:

Foram sofridos 131 minutos de um romance fresco; O Capitão Corelli (Captain Corelli's Mandolim, 2001) foi um martírio enquanto eu assistia-o. Para começar, não sou fã de filmes românticos. Mas tirando o meu preconceito de lado, tem-se um filme que poderia ser bem melhor.

O Capitão Corelli resgata um episódio histórico, no mínimo, interessante: a ocupação das ilhas gregas pelos alemães e italianos durante a 2º Guerra Mundial. Durante a ocupação, a bela Pelagia (Penélope Cruz, numa atuação sofrível) apaixona-se por um oficial italiano, o tal Corelli, um homem amigável cuja guerra não é seu lugar. Existem dois problemas, entretanto: ela já é comprometida com um jovem grego que partiu da ilha para fazer parte da resistência (interpretado por Christian Bale) e Corelli é, no fim de tudo, um dos inimigos.

Trata-se de um drama/romance de guerra muito fraco, com um roteiro desleixado e que desrespeita a nossa inteligência em muitos momentos. E Cage falando com sotaque carregado de italiano é, no mínimo, engraçado. Ele se esforça no papel, e você cria empatia pelo tal capitão.

Acontece que o roteiro é de uma incompetência assombrosa, abarrotado de clichês e tentativas fracassadas de envolver o público. Com um roteiro destes, não há atuação que salve o filme.

Diversão no melhor estilo Disney:

Cara, que filme divertido! O Aprendiz de Feiticeiro (The Sorcerer's Apprentice, 2010) é uma aventura no melhor estilo da Disney, com bastante ação, bons efeitos especiais e atuações no ponto (especialmente Alfred Molina, perfeito como o vilão Horvath). Nic Cage é o mago Balthazar que procura por um descendente do mago Merlin, que se trata do jovem estabanado Dave (Jay Baruchel).

A produção assinada por Jerry Bruckheimer prima pela beleza visual, com um roteiro fácil e eficiente. A direção ficou para Jon Turteltaub, um veterano em filmes da Disney.

Produzido para fisgar o público pré-adolescente estadunidense (com direito ao patrocínio do jogo de cartas Magic The Gathering e música da banda "queridinha dos jovens" OneRepublic), O Aprendiz de Feiticeiro é o exemplo de aventura juvenil perfeita. Vale o ingresso.

Um interessante suspense medieval:

Caça às Bruxas (Season of the Witch, 2011) foi alvo de tantas críticas negativas que eu cheguei ao cinema com expectativas nulas para com a obra. Não só as críticas, mas o diretor Dominic Sena (que conseguiu estragar a adaptação dos quadrinhos Whiteout – leia a crítica aqui) também contribuiu para a aura de desconfiança sobre o último filme de Cage. Contudo, qual não foi minha surpresa ao descobrir que Caça às Bruxas é uma ótima aventura medieval e envolvente na medida certa.

O filme não é uma maravilha da natureza, mas com certeza não é o lixo que muitos propagaram por aí. Foi surpreendente notar o apuro histórico em certos detalhes como a podridão da Idade Média, as máscaras utilizadas pelos médicos e a falta de escrúpulos da Igreja Católica. O personagem de Nicolas Cage é um cruzado que, desgostoso com os rumos da Guerra Santa, deserta, junto de seu companheiro de batalha Felson (Ron Perlman).

O problema é que a deserção de ambos será punida e a única forma de evitar um julgamento é que eles aceitem a missão de levar uma possível bruxa até um mosteiro onde ela será julgada por ter trazido a peste para as terras europeias. Behmen (Cage) aceita, com relutância, esta missão, por acreditar na inocência da "bruxa" (Claire Foy). Mas a viagem até o mosteiro provará que esta pode ser uma bruxa de verdade.

Apesar de o filme abusar dos sustos fáceis, quando Dominic Sena aposta no suspense ele o faz de maneira muito competente, como na cena da ponte, sem dúvida a melhor do filme. Entretanto, se há um problema que afeta Caça às Bruxas é um mal que afeta várias produções deste gênero o excesso de computação gráfica. No clímax da obra, todo suspense é jogado fora para dar lugar a um monstro digital sem graça, tal como ocorreu em Solomon Kane. Esses diretores ainda não entenderam que a estória em si é muito mais importante do que efeitos especiais bobos.

Trata-se de uma boa aventura medieval, cumpridora de seu papel primordial: entreter o público. Talvez não seja o filme que muitos esperam do ator Nicolas Cage, vencedor do Oscar, mas isso não diminui a diversão provocada pela trama. O caso é que Nicolas é um dos atores mais ativos de Hollywood, com muitos altos e baixos, acertos e erros. Mas uma coisa é certa: que ele se diverte fazendo filmes e, na maioria das vezes, nos diverte também. E só isso já basta.

Crimes em Primeiro Grau (High Crimes, 2002)

2011-03-05T16:52:00.001-08:00

Mais uma fita de ação estrelada pela bela Ashley Judd, Crimes em Primeiro Grau é uma estória envolvente de mistério, que apesar de ser um tanto previsível para os mais observadores, mantém o interesse até seu epílogo. Temos aqui a brilhante advogada (Judd) com seu marido (Jim Caviezel) sendo acusado, em corte militar, por um crime cometido na Nicarágua. Ela não tinha conhecimento do passado de seu esposo e, partindo da premissa que ele é inocente, ela resolve defendê-lo com a ajuda de um advogado militar reformado (Morgan Freeman), raposa velha que conhece o sistema penal militar e sabe como vencê-lo.

O filme segue a linha de outros thrillers militares como o superior A Filha do General e a extinta série de TV Jag. Prende a atenção durante o decorrer da estória, mas, no final de tudo, a obra é mais um daqueles filminhos que povoam o Supercine da TV Globo. Feito para ser esquecido...

Chamas da Vingança (Man on Fire, 2004)

2011-03-05T14:12:00.001-08:00

Interessante filme de vingança em que o diretor Tony Scott integrou seu estilo frenético de filmar (edição turbulenta com fotografia de cores fortes) numa tórrida Cidade do México - uma mistura que se mostrou muito bacana. Denzel Washington é um guarda-costas contratado para garantir a segurança da filhinha de um empresário mexicano (Dakota Fanning). Ambos criam um laço afetivo que será violentamente quebrado com o sequestro da menina. Após ser dada como morta, o segurança recupera-se de seus ferimentos (causados durante o tiroteio que antecedeu o rapto) e parte para se vingar daqueles que supostamente mataram a menina.

Chamas da Vingança conta com as competentes atuações de Denzel e Dakota, além de um elenco de suporte muito competente, que inclui nomes consagrados como Christopher Walken, Mickey Rourke e Giancarlo Giannini, todos muito bem em seus papéis, especialmente Giannini como um policial mexicano.

Apesar de ser muito longo e de ser uma estória rasa que tenta soar profunda, Chamas da Vingança torna-se um filme interessante, especialmente pelo seu visual único e elenco competente. É bom, mas poderia ser bem melhor, se fosse mais enxuto.

O Discurso do Rei (The King's Speech, 2010)

2011-03-01T20:11:00.001-08:00

Mais uma edição do Oscar se passou, e, mesmo com todas as polêmicas, O Discurso do Rei sagrou-se como o melhor filme de 2010. Apesar de não concordar inteiramente com esta premiação, não acho muito correto desmerecermos a obra, pois esta possui alguns momentos verdadeiramente marcantes.

Todos já comentaram sobre a incrível atuação de Colin Firth, simplesmente perfeita e irretocável. Os coadjuvantes são valiosos, mas nenhum deles consegue jogar sequer uma sombra sobre a performance de Firth. Ele é, ao mesmo tempo, aristocrático e frágil, um personagem que atua para o povo britânico, tentando disfarçar uma "fraqueza" - sua gagueira.

O Discurso do Rei tem algumas cenas muito marcantes, mas o discurso propriamente dito no clímax da obra é de arrancar o fôlego. Ancorada na 7º Sinfonia de Beethoven, essa cena tem um impacto imenso e é o momento brilhante de O Discurso do Rei. Sem falar nas engraçadas cenas do treinamento contra a gagueira.

Penso neste filme como uma ópera muito longa, com seus altos e baixos, momentos de brilhantismos e outros momentos de assustadora irrelevância. Trata-se de um belo filme, que seria mais marcante se não fosse tão milimetricamente planejado para vencer premiações. Um interessante espetáculo, mas não é o melhor show da noite...

Após o Oscar, o Prêmio Dardos!

2011-02-28T07:14:00.001-08:00

Meu amigo e editor do blog O Brado Retumbante, Weiner Gomes, agraciou o Midnight Drive-In com o Prêmio Dardos. Para quem não conhece, aqui vai uma descrição rápida: "O Prêmio Dardos é um reconhecimento dos valores que cada blogueiro emprega ao transmitir valores culturais, éticos, literários, pessoais, etc. que, em suma, demonstram sua criatividade através do pensamento vivo que está e permanece intacto entre suas letras, entre suas palavras".

Meus sinceros agradecimentos ao Weiner, por se lembrar deste simples endereço eletrônico. É sempre motivador ver alguém que aprecie o nosso trabalho. Fica aqui também o meu convite para que visitem seu excelente blog O Brado Retumbante.

Sem mais delongas e seguindo a regra do jogo, escolhi outros 5 blogs para receber este selo:

Cine Café, equipe de blogueiros

Filmes para Doidos, Felipe M. Guerra

Linguagem Cultural, Felipe C.

Cine Monstro, Carlos Primati

Dementia 13, Ronald Perrone

Para aqueles que receberem o selo, sigam estas 4 instruções:

# Exibir a imagem do selo no seu blog.

# Linkar o blog pelo qual recebeu a indicação.

# Escolher outros blogs para receber o selo.

# Avisar os escolhidos.

Império dos Lobos (L'empire des Loups, 2005)

2011-02-17T06:01:00.001-08:00

O mercado brasileiro de filmes vem sendo abastecido com uma considerável remessa do atual cinema francês de ação e filmes policiais. Quase sempre, estes filmes me agradam, pois apesar de apresentarem tramas já retratadas em outras obras, o cinema francês possui uma linguagem visual única, diferente da cacofonia de sons e explosões que inundam o cinema norte-americano atual. São obras inteligentes, com atuações relevantes – garantia de bom cinema.

Império dos Lobos é um ótimo exemplar desta safra, com atuações competentes e um roteiro labiríntico, cheio de reviravoltas e surpresas. A direção ficou com Chris Nahon, que também dirigiu O Beijo do Dragão e Blood: The Last Vampire.

A trama segue duas estórias: a primeira acompanha Anna (Arly Jover), uma mulher que está sofrendo com alucinações e uma amnésia que a impede de reconhecer o rosto do próprio marido. Desesperada, Anna procura a ajuda de uma psiquiatra para tentar revirar seu passado em busca de respostas.

A outra linha narrativa acompanha os policiais Netteaux (Jocelyn Quivrin) e Schiffer (Jean Reno), que investigam o brutal assassinato de três jovens turcas ilegais. Aos poucos, a dupla vai aprofundando suas investigações, mergulhando no submundo da máfia turca. E, aos poucos, as duas tramas se entrelaçam, formando um thriller dos bons.

Apesar de acelerar as coisas em seu epílogo, Império dos Lobos nos surpreende com uma trama vibrante e envolvente. Reno está ótimo como o policial conhecedor da máfia, com métodos nada ortodoxos de conseguir suas informações. Existe uma ponta de fantasia e absurdo no roteiro – não vou estragar a surpresa...

Vale lembrar que a obra é baseada num livro de Jean-Christophe Grange, mesmo autor de Rios Vermelhos, um filme muito elogiado que ainda não tive a oportunidade de conferir. Mas, segundo alguns sites que eu visitei, as duas obras possuem uma razoável semelhança.

Império dos Lobos é um belo exemplar policial do atual cinema francês. Um filme que vence com tranquilidade a torrente de mediocridade que inunda os filmes deste gênero. Mesmo com algumas falhas, vale a conferida pela trama envolvente e delirante, que nos surpreende a todo o momento.

Conduta de Risco (Michael Clayton, 2007)

2011-02-16T18:00:00.001-08:00

O mundo dos advogados sempre foi um território muito explorado nos cinemas, desde a série televisiva Lei e Ordem até as adaptações de John Grisham; e é incrível como este gênero sempre se renova, mesmo com o enorme número de obras já lançadas. Conduta de Risco, que vem deste nicho, é um exercício cinematográfico maravilhoso, com um roteiro primoroso e uma interpretação muito bacana de George Clooney.

Em Conduta de Risco, tem-se um tenso diálogo sobre ética envolvendo um advogado que surta após descobrir segredos da empresa que ele representa (Tom Wilkinson), uma executiva em rápida ascensão nesta empresa (Tilda Swinton) e o advogado Michael Clayton (Clooney), que funciona como um ponto de equilíbrio entre a redenção moral do advogado, outrora voraz em seu trabalho, e dá empresária ambiciosa que não medirá esforços para evitar um processo contra a empresa que trabalha.

A obra não cai nunca no maniqueísmo, o que proporciona uma maior fascinação pelo trabalho de Tony Gilroy no roteiro. Têm-se linhas de diálogo maravilhosas (coisa cada vez mais rara em filmes americanos) como o monólogo inicial de Wilkinson, quando este tem sua epifania; outro momento genial da obra é quando Michael fala: "Eu não sou o sujeito que você mata; eu sou aquele que você compra.". De fato, é impressionante como o personagem de Clooney trafega, perigosamente, entre a decência e a falta de caráter.

Trata-se de um dos personagens mais profundos e interessantes que o cinema nos presenteou nos últimos anos. E Clooney captou-o de maneira sublime. Afinal, Michael reclama de seu irmão drogado e sem caráter, mas ele é um viciado em jogos, com um trabalho medíocre numa firma de advocacia e, na soma dos aspectos, um perdedor.

Conduta de Risco é uma espécie de filme muito rara em nossos tempos: uma obra inteligente e reflexiva, com interpretações estupendas e um roteiro não menos do que marcante. Simplesmente sensacional.

O Segredo do Céu (Night Skies, 2007)

2011-02-02T18:58:00.001-08:00

Típica obra Sci-Fi de baixo orçamento sobre abdução alienígena, O Segredo do Céu é aquele filme desesperado em despertar um interesse em seu público, a fim de prender nossa atenção. Entretanto, à medida que todas estas tentativas vão falhando, nos damos conta que o filme é, na verdade, uma grande perda de tempo.

O diretor Roy Knyrim tenta de tudo: primeiro, afirma que o filme é baseado em fatos reais. Bem, uma parte disso é verdade, pois a estória se passa no Estado do Arizona, em 1997, durante a observação de ovnis na cidade de Phoenix – fenômeno conhecido como "As Luzes de Phoenix". No entanto, acreditar que a tal abdução ocorreu é critério e crença de cada um. Eu, por exemplo, não embarquei na ideia...

Knyrim tenta dar profundidade emocional a seus personagens, mas não adianta: tem-se mais um elenco estilo "Malhação", que mal consegue criar empatia conosco. Os clichês estão todos lá: o metido a machão, o engraçadinho, a vadia, a bonitinha com juízo... Sim, já conhecemos este esquema Knyrim!

Tem-se um trailer com um bando de jovens (cinco, para ser exato) rumando para Las Vegas. Após perder o controle da van, eles acabam chocando-se com um carro no acostamento de um veterano da Guerra do Golfo, que revela ter sido torturado na guerra (não que isto faça qualquer diferença para a obra, mas ele realmente fala isso, numa outra tentativa de dar densidade ao personagem).

A van não funciona, eles estão no meio do nada, um dos amigos se feriu gravemente com a batida – tudo já seria muito ruim, se não fosse por um pequeno detalhe: alguns ETs estão a espreita-los, e não demorará muito (teoricamente) até que todo mundo ali seja abduzido...

Até o filme chegar a tal abdução, o filme arrasta-se por longos 60 minutos de conversa fiada, pouquíssima tensão e previsibilidade absurda. Nesta parte da obra, cabe destacar os esforços de A. J. Cook e Jason Connery como a moça com juízo e o veterano de guerra, que não estão ruins em seus personagens tentando criar algum elo de relevância entre eles e a plateia. Ambos quase conseguem, mas o roteiro capenga não ajuda.

Na meia hora final, a obra para com os rodeios e mostra a tal abdução. A coisa que eu realmente achei bacana foi o resgate da figura de ET como um ser cabeçudo, com uma nave gosmenta e seus experimentos invasivos. Para quem curte Sci-Fi meio bagaceiro, o epílogo pode agradar. Mas o filme acaba inconclusivo e previsível, aborrecendo ainda mais o expectador.

Vale destacar a participação do eterno Worf, de Jornada nas Estrelas – Michael Dorn – na pele de um policial que só aparece na última cena do filme. Como o ator ficou famoso com sua maquiagem de Klingon, pode ser bem difícil reconhecê-lo.

Tem-se, afinal, mais um daqueles filmes que afundaram no pântano das boas intenções. Fica a impressão que o roteirista tinha um fiapo de estória, que o diretor tentou alongar para 90 minutos. Chato e previsível. Se você quiser ver um filme verdadeiramente legal sobre abdução assista Alien Abduction: Incident in Lake County (leia a crítica dele aqui): uma obra MUITO superior, mais assustadora, menos conhecida e ainda inédita em dvd. Pois é, vai entender essas distribuidoras...

Boa vs Python (2004)

2011-02-01T07:13:00.001-08:00

Uma obra ruim não deve ser tímida; deve assumir este defeito e contorná-lo, garantindo diversão para seu público específico: os amantes do cinema trash. Entretanto, quando um filme ruim tenta se levar a sério, esquecendo seu objetivo principal, o resultado é sempre catastrófico. Infelizmente, este é o caso de Boa versus Python.

A obra tem seus momentos de divertimento, mas se perde ao tentar dar alguma profundidade aos seus protagonistas e desperdiçando boas ideias. Enfim, tem alguns bons momentos, mas o filme em geral é de uma mediocridade imensa.

A trama é absurda e divertida: um milionário babaca (Adam Kendrick) resolve realizar um safári com uma cobra gigantesca. O réptil, que fora aprisionado, acaba escapando e indo para o subterrâneo de uma cidade. Um agente do governo convoca dois cientistas: uma especialista em golfinhos (Jaime Bergman, que não convence ninguém com sua carinha de colegial) e um especialista em cobras (David Hewlett) que cria uma cobra gigantesca para pesquisar um soro antiofídico universal – eficiente contra qualquer veneno de cobra. O plano é colocar as duas cobras para lutarem, enquanto eles monitoram tudo por meio de sensores e câmeras instalados na cobra do laboratório.

Só que surgem dois problemas: o milionário resolve continuar com o tal safári, reunindo um bando de caçadores excêntricos que, eventualmente, serão mais vítimas para as duas cobronas. Além disso, as cobras resolvem atacar os humanos ao invés de saírem no pau. O duelo entre as duas só acontece no final da obra mesmo.

Um dos erros em Boa versus Python é ser levado muito a sério pelos seus protagonistas. O único que aparenta estar se divertindo é Adam Kendrick, canastrão e cínico, principalmente no final da obra quando dá uma de Rambo, arrancando a camisa e atacando a cobra com um lança-chamas. São nestes momentos que o filme agrada, pelo exagero e absurdo.

Outra cena muito divertida é quando uma das cobras investe contra um casal que estava fazendo sexo num carro. O rapaz está fazendo sexo oral na moça quando é atacado e substituído pelo réptil, e a moça vai ao delírio. Em poucos momentos o filme assume sua real personalidade de trash, deixando de lado qualquer pretensão dramática.

Realmente, fica a impressão que a obra poderia ter sido mais bacana. Felizmente (ou infelizmente?), os filmes de duelo entre monstrões estão na moda. Esperemos que saia algum bom filme ruim desta leva que já nos trouxe atrocidades como Mega Shark versus Giant Octopus (leia a crítica aqui) e este Boa versus Python.

In Memorian: John Barry (1933-2011)

2011-01-31T17:42:00.000-08:00

Chico Xavier (2010)

2011-01-31T17:09:00.001-08:00

Bela cinebiografia do médium mais famoso do Brasil, Chico Xavier. Ao contrário de Nosso Lar, outra obra espírita lançada em nossos cinemas ano passado (você pode ler a crítica aqui), Chico Xavier não possui o tom didático de Nosso Lar. Eis aí o grande mérito do filme de Daniel Filho: humanizar seu personagem principal e permitir que o público simpatize com o personagem e até se identifique com o mesmo, sem propagandear crenças e doutrinas espirituais.

Trata-se de um filme de narrativa elegante, com saltos do passado para o presente bastante coerentes. Acompanhamos a vida de Chico, enquanto ele é entrevistado num programa de Tv, e o drama de um casal que perdeu seu filho recentemente; a mãe busca respostas no espiritismo e o pai é descrente e amargurado. Perto de seu epílogo, as tramas se entrelaçam, revelando uma coexão do médium com o casal para a comunicação com o filho morto.

Superior a MUITOS outros filmes nacionais lançados durante o ano passado, Chico Xavier reúne um belo trabalho de direção, roteiro, montagem e edição, sustentado pela ótima performance de Nelson Xavier. Trata-se de uma feliz experiência cinematográfica brasileira, com seus defeitos e acertos (por exemplo, achei o som do filme, particularmente durante a infância de Chico, muito ruim). Mas, somando-se todos estes aspectos, tem-se, de fato, um ótimo filme nacional.

Meu Vizinho Mafioso (The Whole Nine Yards, 2000)

2011-01-31T10:30:00.001-08:00

Na década de 90 e início da década passada, foram produzidas muitas comédias que parodiavam o mundo da máfia. Meu Vizinho Mafioso é só mais uma produção desta leva, estrelada por Matthew Perry – que praticamente reprisa seu papel mais famoso: o Chandler da série Friends. Não que isto seja ruim, afinal ele era o mais engraçado do programa. Neste, ele interpreta um dentista perdedor que ganha um novo vizinho: um mafioso delator (Bruce Willis), ameaçado de morte por outros criminosos. Várias caras conhecidas passam pela tela como Michael Clarke Duncan e Natasha Henstridge, mas a grande surpresa da obra é Amanda Peet, surpreendente e talentosa como a assistente do dentista. Garante boas risadas e diverte durante a projeção. Precisa de algo mais para uma comédia?

Risco Duplo (Double Jeopardy, 1999)

2011-01-28T05:52:00.001-08:00

Eficiente fita de ação com uma trama bem estruturada, elenco competente e direção segura, do veterano Bruce Beresford. Ashley Judd é acusada (injustamente) de ter matado o marido (Bruce Greenwood); na prisão, ela descobre que o patife está vivo e arma sua vingança levando em conta um artigo nas leis americanas que determina que uma pessoa não pode ser julgada pelo mesmo crime duas vezes. Assim, ela poderá matar, de fato, seu marido e recuperar a guarda de seu filho. Tommy Lee Jones encarna o oficial de condicional que persegue Judd após sua saída da prisão.

Nada de vinganças elaboradas: aqui, o negócio é matar o marido, levar o filho embora e tocar a vida. Apesar de ter alguns furos em seu roteiro, Risco Duplo é um bom filme, sem cenas de ação mirabolantes ou uma direção "pseudo-estilosa". Tem-se um filme onde a estória tem importância e os atores realmente atuam. Um filme de verdade.

Trailer da Semana: The Midnight Son (2010)

2011-01-26T16:57:00.001-08:00

É preciso procurar, com muito afinco, um exemplar atual sobre vampiros vindo dos EUA que valha a pena assistir. Afinal, com Crepúsculo e seus derivados, estes seres fantásticos ficaram relegados a tramas superficiais e infantis, obras encomendadas para roubar o dinheiro de adolescentes (e de alguns adultos também).

Bem, o trailer abaixo é uma pequena joia vinda do cinema independente norte-americano, com chance nula de se ver em nossas salas de cinema. Trata da estória de Jacob, um solitário rapaz que vive em isolamento em razão de uma doença de pele que o impede de ficar exposto a luz solar. A tal doença também o força a beber sangue humano, tornando-o uma espécie de viciado.

Eu não me recordo de nenhum filme tratar o vampirismo como uma doença, o que já torna a obra atraente. Pelo trailer, temos um filme sério e adulto, sem firulas e romance piegas; um filme de vampiro de verdade, algo que anda em falta em falta nos EUA, desde, provavelmente, Entrevista com um Vampiro. Enfim, é torcer para achar o filme e divulga-lo. É preciso incentivar o bom cinema e, principalmente, a criatividade.

Evidências de um Crime (Cleaner, 2007)

2011-01-22T19:42:00.001-08:00

Sábado à noite é sempre um momento muito peculiar da semana inteira, especialmente se você ainda for jovem. Afinal, há duas alternativas: ou você sai com seus amigos para farrear, ou você fica em casa e encara uma sessão de cinema proporcionada pela tv aberta. Bem, quando eu era mais jovem, eu não tinha o hábito de sair muito, por isso eu costumava assistir com meu pai um daqueles policiais e thrillers que passavam (e ainda passam, mas não com a mesma frequência de antes) no Supercine, uma das mais charmosas sessões de cinema da tv Globo.

É estranho, mas sinto certo carinho pelos filmes exibidos no Supercine. Talvez por que eu passei parte de meus sábados noturnos vendo obras como este Evidências de um Crime - um thriller comum, sem muitos atrativos e com uma reviravolta não muito surpreendente em seu desfecho; em suma, um típico filme do Supercine ...

Então, acho que nem preciso dizer que gostei de Evidências de um Crime (mais uma tradução bisonha de título de filme). Trata-se de mais um roteiro sobre queima de arquivos, corrupção na polícia e traições. Contudo, a obra nos reserva algumas coisas bacanas, as quais tentarei apontar neste texto.

Acompanhamos Tom (Samuel L. Jackson) um ex-policial, viúvo, com uma filha adolescente, que trabalha num serviço incomum: ele possui uma empresa de limpeza especializada em limpar ambientes onde pessoas morreram – especialmente, cenas de crimes. Tom filosofa sobre seu trabalho, afirmando como ele ajuda na superação do sofrimento das pessoas, removendo manchas e sujeiras, para que a vida siga em frente.

A obra lembrou-me, neste aspecto o excelente filme mexicano Bajo la Sal, que eu comentei ano passado (clique aqui para ler a resenha). No thriller mexicano, o personagem principal era um rapaz que trabalhava numa funerária – ocupação que exerceu uma influência decisiva sobre a natureza do rapaz e para a própria trama da estória. Em Evidências de um Crime, o trabalho de Tom norteia a obra inteira, revelando seu isolamento, assim como ocorria na obra do México.

Tom é chamado para realizar a limpeza de mais uma cena de crime. Ele faz seu trabalho normalmente, apesar de não ter encontrado ninguém em casa (a chave estava debaixo de um vaso de flores) e, quando retorna no dia seguinte para devolver a chave que esquecera no bolso, ele descobre que a dona da casa (Eva Mendes) não contratou seus serviços.

Para piorar a situação, o marido desta mulher, ligado a um esquema de corrupção a polícia, acabou de desaparecer. O desaparecido iria testemunhar contra um chefão da policia, queimando muita gente com suas provas. E um dos que seriam prejudicados seria o próprio Tom, que se envolveu com os corruptos para dar um fim no assassino de sua esposa.

A polícia ainda não está atrás dele, mas quando investigarem o caso a fundo, é óbvio que desconfiarão de Tom, afinal, além de ter motivo (descobririam sua sujeira na época em que era policial), ele limpou a cena do crime. Tom associa-se então ao seu ex- parceiro (Ed Harris) e à mulher do falecido para investigar sobre este assassinato.

O argumento é interessante, mas não há como negar que o desenrolar da obra não impressiona. Nesse sentido, Evidencias de um Crime é uma obra muito convencional. Mas esquecer das qualidades da obra seria muita negligência de minha parte.

A maior destas qualidades seria, com certeza, a atuação de Samuel L. Jackson. O homem mostra seu excelente trabalho nesta obra, fazendo-nos esquecer de cagadas em sua carreira como Spirit, Triplo X e O Cara. Harris e Mendes são os coadjuvantes sem muito destaque. Participa ainda da obra Luiz Guzmán, que também está ótimo como o detetive (oficial) encarregado das investigações.

A direção da obra ficou com o finlandês Renny Harlim, que já foi muito cogitado em Hollywood e agora mostra seu talento em filmes menores como este aqui. E pensar que este cara dirigiu dois filmes de ação muito divertidos nos anos 90: Duro de Matar 2 e Risco Máximo.

É fato que Evidências de um Crime não é uma obra memorável. Mas eu garanto que ela irá entreter os fãs de thrillers, nem que sejam por míseros 90 minutos de um sábado à noite. E, muitas vezes, é disso que precisamos.

Skinheads - A Força Branca (Romper Stomper, 1992)

2011-01-17T13:16:00.001-08:00

Tintas surpreendentes colorem esta fita australiana, que aparenta falar apenas sobre neonazistas em Melbourne. Entretanto, a obra é um denso retrato de um triângulo amoroso entre dois jovens skinheads e uma moça com a vida muito problemática. Mais preciso ainda seria dizer que a obra é, na realidade, o retrato de uma juventude descaminhada e desvairada, praticante de atos desprezíveis que, apesar de sua falta de senso moral, ainda são humanos.

Trata-se de uma abordagem muito ousada do diretor Geoffrey Wright, que prende a nossa atenção até o aterrador epílogo da obra. Afinal, não conheço qualquer outro filme que tenha retratado os neonazistas da maneira como foi feita aqui. Maniqueísmo passa longe de seus personagens. Até mesmo Hando, o líder da gangue interpretado com muita força por Russell Crowe, é um ser humano capaz de ser acuado e aterrorizado pela polícia. Seu braço direito, Davey (interpretado por Daniel Pollock, que cometeu suicídio após término das filmagens) é um sujeito legal, apesar de surrar vietnamitas pelas ruas e sair quebrando lojas. E, para fechar o triângulo, temos a jovem Gabe (Jacqueline McKenzie) que tem uma vida de merda e encontra um abrigo na gangue de Hando.

Skinheads foi um filme que causou muita polêmica depois de seu lançamento. O diretor e roteirista Wright trocou cartas com um líder de uma gangue neonazista, que cumpria a sentença de prisão perpétua, sendo Hando a encarnação deste criminoso. Vários dos personagens da obra, incluindo Davey e Gabe são baseados em pessoas reais, que conviveram com o "Hando real". Wright ainda conviveu com alguns skinheads que chegaram a participar da produção do filme, mas se retiraram durante o processo de filmagem por não gostarem do rumo que a estória tomava.

Interessante observar a reação que este filme causou em certas partes do mundo, especialmente na Austrália, onde foi realizado. Na época, um juiz australiano, durante o julgamento de um homem por assalto, disse ao acusado que ele deveria assistir ao filme e escrever uma dissertação de 5 páginas sobre o mesmo!

Entretanto, muitos não gostaram da obra, condenando sua violência, linguagem forte e o próprio tema. No Reino Unido, a Liga Anti-Nazista tentou barrar o lançamento da obra, devido a visão de jovens neonazistas humanos imposta por Wright. Acreditava-se que o fato do filme não condenar a violência nazista poderia dar confiança aos nazistas britânicos. A obra chegou a ser recusada num cinema em Glasgow. Contudo, o filme não endossa a violência.

Tanta polêmica é claro atraiu as atenções ao diretor e o astro da fita, Crowe. Numa entrevista, Wright afirmava que "estava feliz por desagradar tantas pessoas". Pasmem que não só a Liga Anti-Nazista protestou contra a obra, mas os próprios neonazistas protestaram contra a obra.

E filmes polêmicos como Skinheads são essenciais para se assistir. Por quê? Porque são obras que nos impedem de ficarmos em cima do muro, sem formarmos uma opinião. Trata-se de um filme aterrorizante e ousado em seus princípios, que merece ser conhecido. Afinal, até os monstros podem ser humanos? Neste filme, caros leitores, a resposta é afirmativa.

Presságio (Knowing, 2009)

2011-01-16T19:39:00.001-08:00

Daria tudo para ser um filmaço de ficção científica, mas ao final de Presságio, percebe-se que tudo não passou de uma grande perda de tempo. E olha que Nicolas Cage não está nada mal na pele de um astrofísico que recebe uma sequencia de números os quais indicam as datas, localidade e o número de vítimas dos últimos grandes acidentes e atentados ocorridos ao redor do mundo. Existem mais três que iram acontecer e o cientista tentará impedi-los e descobrir mais sobre o mistério em torno de tais números.

Eis aqui um exemplo clássico de argumento sensacional bolado por algum roteirista que simplesmente não conseguiu desenvolvê-lo de maneira convincente ao longo da estória. No clímax de Presságio, percebe-se que a tal lista com as catástrofes não tinha nenhuma finalidade, a não ser impressionar os personagens do filme e prender nossa atenção durante a projeção. Uma pena quando boas ideias, como esta, são desperdiçadas.

As cenas de desastres são verdadeiramente impressionantes. Equiparam-se à magnitude de 2012, outro filme desse subgênero que pisou no tomate (veja a minha critica sobre 2012 aqui). Apesar da competente atuação de Cage e da direção segura de Alex Proyas, o filme simplesmente não convence em seu epílogo, apesar de sua quebra de clichê. Poderia sim ter dado um resultado muito melhor.

Os Três Mosqueteiros (The Three Musketeers, 1948)

2011-01-14T18:25:00.001-08:00

Um dos clássicos da literatura universal, Os Três Mosqueteiros já sofreu várias adaptações. Esta aqui, estrelada pelo atlético e carismático Gene Kelly, é o filme de aventura perfeito: divertido, com belas cenas de ação (mérito de Kelly, sem sombra de dúvida) e uma estória envolvente e bem adaptada.

A escolha de elenco ajudou muito, com Gene Kelly perfeito como D'Artagan , Van Heflin como o profundo e galante Athos, Lana Turner como a traiçoeira Lady de Winter e, é claro, o grande Vincent Price como o surpreendente cardeal Richelieu. Price e Heflin dominam o filme quando aparecem; o primeiro com seu tom astuto e traiçoeiro; Heflin dá um show como o mais interessante dos mosqueteiros – um homem profundamente amargurado com seu passado.

As cenas de ação são belamente coreografadas; os duelos de espada são extremamente elegantes. Apesar de ter achado a obra um pouco longa (125 minutos), Os Três Mosqueteiros é um divertido exemplar de aventura que me divertiu muito durante sua projeção. Uma prova definitiva de que bons atores valem muito mais do que robôs gigantes ou explosões mirabolantes para se fazer entretenimento dos bons.

Pôsters Alternativos para A Origem

2011-01-14T17:53:00.001-08:00

Que tal estas artes não-oficiais do filme A Origem? Eu gostei bastante!

A Origem (Inception, 2010)

2011-01-12T15:46:00.001-08:00

Não me recordo o autor, mas existe um aforismo que resume muito bem o que Christopher Nolan fez em seu último filme: "A única forma de se conhecer um limite é ultrapassando-o". Nolan fez isto sobre todos os prismas possíveis numa obra cinematográfica: desde os pôsteres da campanha publicitária até a trilha sonora – Nolan implodiu a nossa limitada visão de filme inteligente com esta verdadeira maravilha. Não sei se revolucionário é uma palavra muito forte para o filme, mas inesquecível encaixa-se com precisão.

Seria muita ousadia da minha parte tentar esboçar uma sinopse digna para a obra. Basta sabermos que o filme mexe com o universo dos sonhos, todas as suas nuances e possibilidades. Consegue ser uma obra onírica (especialmente em seu visual, absolutamente inovador) e racional (com seu roteiro simplesmente perfeito), sé que isto é possível.

A escolha do elenco foi inspirada: desde novos talentos como Tom Hardy, Joseph Gordon-Levitt e Ellen Page que se destacam perto de excelentes atores já consagrados como Michael Caine, Cillian Murphy, Ken Watanabe,Pete Postlethwaite, Marion Cotillard e Leonardo DiCaprio, todos excelentes. Não houve uma seleção de elenco tão inspirada quanto esta no ano passado.

E o mais interessante é que A Origem é um filme inteligente, elaborado e divertido. Trata-se do entretenimento perfeito e, porque não, o filme perfeito.

Nacho Libre (2006)

2011-01-08T12:34:00.001-08:00

Olhem as postagens abaixo: vocês perceberão que eu comentei sobre 3 comédias; para os que tiveram paciência de ler todas as resenhas, é possível que tenham notado um aumento gradativo dos elogios a cada filme. Bem, seguindo esta gradação, ficou muito adequado eu deixar minha opinião sobre Nacho Libre por último. Afinal, trata-se de uma das comédias mais legais que eu já assisti.

Apesar de não ser uma das obras mais conhecidas do comediante Jack Black, arrisco dizer que é seu melhor trabalho como comediante. Aqui, ele interpreta um monge chamado Nacho, que trabalha na cozinha de um mosteiro, cozinhando para os outros monges e para as crianças órfãs que vivem com os religiosos. Apesar de adorar as crianças, Nacho não está feliz com sua vida, pois ele tem uma grande paixão secreta e proibida por sua religião: a lucha libre.

Com a chegada da irmã Encarnación (Ana de la Reguera) ao mosteiro, Nacho resolve perseguir seu sonho; com a ajuda do "atlético" Esqueleto (Héctor Jiménez), ambos começam a lutar nos ringues de sua cidade. Mas precisará mais do que a vontade de Nacho para que eles não tomem uma surra a cada luta. Entretanto, mesmo perdendo, os dois ganham um bom dinheiro, o que os motiva a continuarem a ir aos ringues.

Jack Black está hilariante como Nacho, desde seu sotaque estranho até as cenas de luta, bem coreografadas e engraçadas. Jiménez também está engraçado como o afetado Esqueleto. A interpretação dos dois é decisiva para toda graça do filme. Entretanto, não há como não comentar a excelente direção de Jared Hess, também responsável pelo ótimo roteiro. Hess capturou aquele clima meio brega do México, misturado com o clássico Marcelino Pão e Vinho, de uma maneira muito bacana e atraente, dando um visual único para o filme.

Uma das coisas mais interessantes envolvendo a estória do filme é que o personagem de Black é baseado num padre mexicano conhecido como Fray Tormenta, que vestiu uma máscara de "luchador" para sustentar o orfanato que cuidava. Ele lutou durante 23 anos e, atualmente, se aposentou dos ringues e,apenas reza suas missas.

Nacho Libre é um filme extremamente engraçado e agradável. Trata-se, sem nenhum exagero, de uma das melhores comédias da década passada. Uma comédia de visual incomum e acima da média.

Se Beber não Case (The Hangover,2009)

2011-01-04T17:16:00.001-08:00

Absolutamente original e engraçado, Se Beber não Case é uma comédia excelente. A escolha de elenco é perfeita (Bradley Cooper, Ed Helms e, principalmente, Zach Galifianakis, dão um show); os coadjuvantes, não raro, roubam a cena, como Ken Jeong (extremamente engraçado), Heather Graham (muito bonita e carismática) e Mike Tyson, interpretando ele mesmo numa ponta muito bacana. Sem falar também no cantor sem noção do casamento, interpretado por Dan Finnerty.

As atuações são ótimas, mas o grande mérito de Se Beber não Case recai sobre o seu roteiro excelente. O argumento inicial (após uma despedida de solteiros, amigos perdem o noivo e não se lembram de nada) é imbatível; e o desenrolar da estória é engraçado e desesperador (afinal, os caras só fizeram cagada nessa fatídica noite e tentam descobrir no dia seguinte o que aconteceu). Em nenhum momento o roteirista apela para as soluções fáceis e clichês. Trata-se, afinal, de um divertimento de primeira e altamente recomendado.

In Memorian: Pete Postlethwaite (1946-2011)

2011-01-03T15:31:00.000-08:00

O Rei da Água (The Waterboy, 1998)

2011-01-01T18:17:00.001-08:00

Existem filmes que só existem para divertir, nem que sejam por míseros 90 minutos de uma vida inteira. É o caso deste O Rei da Água, uma comédia tão boba e, por vezes, imbecil estrelada por Adam Sandler, que já flertava com o duo comédia/esportes muito antes de Will Ferrell. Neste filme em questão é o futebol americano o cenário para a estória do "lerdão" Bobby (Sandler), um simples filho de uma fazendeira linha-dura (Kathy Bates) que trabalha como o responsável pela água dos atletas durante o treinamento e o jogo.

Após ser demitido do time onde trabalhava (onde, também, era alvo de constantes humilhações), Bobby arranja emprego num time menor, bastante mal sucedido, liderado por um treinador excêntrico. Após sofrer provocações de um dos jogadores do novo time onde trabalha, ele resolve se defender, também por incentivo do treinador.

O time inteiro fica impressionado, pois Bobby dá uma pancada muito forte no provocador. O treinador vê nele a oportunidade de tirar seu time da lama, escalando Bobby na defesa de sua equipe. E é óbvio que o rapaz lesado irá levar esses azarões até a final, quando eles enfrentarão o time onde Bobby era humilhado.

Dá para perceber que o filme abraça todos os clichês possíveis. As atuações são todas propositalmente exageradas, intensificando os estereótipos do caipira sulista dos EUA. Nesse sentido, Kathy Bates está perfeita como a matrona arcaica, protetora e supersticiosa. Adam Sandler arranca algumas risadas genuínas com seu inocente personagem. Rob Schneider faz duas cenas como um caipira pirado – ele sempre faz uma pontinha nos filmes Sandler.

As cenas em que Bobby está jogando e surrando os atacantes dos times adversários são verdadeiramente engraçadas pelo exagero. Mas a maior parte do filme nos deixa com, no máximo, um sorriso no rosto. Mas, para mim, um sorriso no rosto é o que basta se observarmos a baixa qualidade das últimas comédias lançadas no mercado. Abaixo, as melhores cenas do filme, ou seja, as pancadas de Bobby durante o jogo.

Agente 86 (Get Smart, 2008)

2011-01-01T12:16:00.001-08:00

A primeira vez que assisti a esta nova roupagem da série clássica Agente 86 foi bastante decepcionante. Eu tinha criado uma expectativa muito grande. Vários meses depois, coloco o disquinho em meu dvd portátil e qual é minha surpresa ao descobrir que Agente 86 é, de fato, uma boa comédia com boas cenas de ação e um elenco afiado. Steve Carrell prova que é um dos melhores comediantes da atualidade e tem cacife para segurar uma produção dessas sozinho. Os coadjuvantes abrilhantam o divertimento, especialmente Alan Arkin como o chefe e Dwayne "The Rock" Johnson, que já provou ter talento para a comédia (a cena do grampeador é imperdível).

É um belo divertimento, mas cá entre nós: Johnny English, que também parodia o universo dos espiões, é muito mais engraçado e memorável. Assim, Agente 86 diverte, mas se investisse mais na comédia e menos nas cenas de ação poderia ser bem melhor.

Corrida Mortal (Death Race,2008)

2010-12-29T17:50:00.001-08:00

Aventurando-me por um site de "torrents" da vida, deparei-me com um arquivo para download de uma continuação para a refilmagem de Corrida Mortal, dirigida por Paul W. Anderson, um sujeito que luta desesperadamente para dirigir filmes fracos. Não que esta refilmagem seja uma porcaria (afinal, os recursos disponíveis, visualmente falando, são sempre atraentes e motivos razoáveis para uma refilmagem); entretanto, ao final da projeção fica uma sensação de perda de tempo...

O elenco do filme é bastante óbvio: precisamos de um mocinho com cara de durão e que piloto bem – Jason Statham; precisamos de um cara que pilote bem, não ofusque o mocinho e, que no final prove que é do bem também: Tyrese Gibson; os coadjuvantes de luxo também estão lá, pagando seus pecados (Joan Allen e Ian McShane); ah! Não nos esqueçamos de uma bela atriz inexpressiva (Natalie Martinez).

O roteiro não escapa dos clichês e só arma terreno para boas cenas de corrida entre os carros. O maior problema é essa mania atual de tentar chocar a plateia mostrando violência em profusão: em certos momentos, o exagero era tanto que a corrida lembrava-me a cena inicial do acidente de carro do péssimo Premonição 4. Sacrifica-se o roteiro e inteligência por litros de sangue e beleza visual.

O filme até diverte durante seu desenrolar. Contudo, não há como negar que o resultado eral é bem fraquinho. Sobre a tal continuação que eu mencionei no início, tentarei baixá-la para atestar sua ruindade ou me surpreender...

Para os leitores deste blog: uma explicação e uma música

2010-12-21T11:46:00.000-08:00

Para os fiéis leitores e amigos deste blog, peço desculpas pela falta de postagens. Após um longo período de provas (que tomou meu mês de novembro inteiro), meu computador quebrou. Pois é, falta de sorte nunca me faltou nesta vida. Acho que só conseguirei retomar o meu antigo ritmo de postagens no mês de janeiro. Até lá, sofreremos juntos com poucos textos...

O pior é que estou numa leva bacana de filmes assistidos; comprei vários filmes, assisti muitos outros. Com o comptador ok, postarei sobre todos eles, com certeza. Assisti algumas belezinhas como As Sandálias do Pescador, This is England e lixos como O Senhor das Moscas e Corrida Mortal (todos terão suas devidas críticas, em breve, creio eu). Foi bastante diversificado.

Enfim, estou com pouco tempo para escrever, por isso posto um vídeo da minha banda preferida, Manic Street Preachers. Trata-se de uma música com a participação do vocalista do Echo and the Bunnymen. Escutem-na. Musicão...

Tekken (2010)

2010-12-04T14:24:00.001-08:00

Bem que eu nutria alguma esperança pela adaptação do jogo de luta que preencheu tardes e mais tardes da minha infância, resultando em algumas notas vermelhas e inúmeros controles quebrados. Contudo, a adaptação de Tekken não passa de uma aventura esquecível, muito fraquinha e sem muitos atrativos.

A estória é manjada e recheada com os clichês de um filme de luta. Jin Kazama (Jon Foo) é um jovem com um incrível talento para as artes marciais, que se envolverá num torneio de lutas com participantes do mundo inteiro financiado pelas grandes empresas que dominam o planeta, numa atmosfera caótica e apocalíptica.

Num filme de luta, eu não dou muita bola para enredo: o que importa são as lutas. Mas em Tekken, elas são muito fracas e não empolgam. Num momento do torneio, armas são permitidas e a partir disso, a obra torna-se um misto de violência boba e uma edição apressada. O filme prepara terreno para uma conclusão previsível e tediosa.

O elenco não está ruim, mas Jon Foo simplesmente não me convenceu como Jin – acredito que a culpa não seja do rapaz, e sim do roteiro que teceu Jin como um adolescente revoltado. Cary-Hiroyuki Tagawa como Heihachi não decepciona (aliás, ele repete algumas de suas feições malvadas de Mortal Kombat, quando interpretou Shang Tsung – alguém lembra?); Luke Goss também está ótimo como Steve Fox, amigo e mentor de Jin; Ian Anthony Dale (que é um dos principais personagens da série sensação The Event) se destaca como o vilão Kazuya, cheio de inveja e cobiça pelo controle da empresa de seu pai – Heihachi. E Kelly Overton está extremamente sexy e estonteante como Christie Monteiro. Pena que o elenco é desperdiçado.

A ausência de um roteiro mais cativante e a direção burocrática de Dwight H. Little (que nos anos 90 fez alguns filmes bacanas como Crime na Casa Branca e Marcado para a Morte e agora parece ter esquecido como fazer um bom filme de ação) são decisivos para que Tekken funcione como mais um filme de aventura catapultado diretamente para as prateleiras das locadoras. Esperava mais da obra.

Trailer da Semana: Ko Soo Kang Dongwon (2010)

2010-11-24T16:19:00.000-08:00

Cacete! Simplesmente sensacional o trailer deste novo filme coreano. Estou sem palavras. Assista-o (com legendas em inglês)!!

Combate Mortal (Karate Bullfighter, 1975)

2010-11-14T16:43:00.001-08:00

Convenhamos que um filme onde o herói mata um touro bravo na base do caratê NÃO PODE ser ruim. Pois é, exatamente isso que você leu, caro leitor: o herói desta belezinha oriental mata um touro e arranca um de seus chifres com toda a potência marcial que possui!

Combate Mortal é um bom filme de artes marciais, mas dificilmente alguém que não curte o gênero poderá aproveitar a projeção. Temos uma estória de ritmo meio lento, com muitos clichês e várias "sub-tramas" que prejudicam o desenrolar da obra. São tantos personagens e dramas envolvendo o Mestre Oyama (Sonny Chiba) que os mais desatentos e os menos pacientes podem ficar aborrecidos.

As cenas de luta, o maior atrativo desse gênero cinematográfico, são boas apesar da falta de fluidez em razão dos ângulos utilizados pelo diretor Kazuhiko Yamaguchi, que filma de muito perto. Eu nunca tinha visto esse tipo de filmagem, mas não me culpem, pois conheço muito pouco do cinema oriental, mesmo sendo um fã...

É fato que a seqüência mais ferrada de todo o filme é a luta contra o tal touro. Pesquisando um pouco na internet, descobri que o Mestre Masutatsu Oyama realmente existiu: ele criou o estilo Karatê Kyokushinkai, que consistia, resumidamente, em um treinamento rígido e disciplinado, com técnicas eficazes para derrubar o oponente com um golpe muito eficaz.

Esse método foi por ele testado em 52 touros, três dos quais ele matou e 49 tiveram seus chifres arrancados por golpes de faca da mão. Quando assisti ao filme, pensei que era uma cena meio bizarra e exagerada, mas meu queixo caiu quando eu li estas informações na Wikipédia (acesse o link aqui).

E, no filme, a cena da morte do touro é absolutamente emblemática, pois o estilo adotado pelo diretor de câmera muito próxima durante a luta deixa a experiência bastante realista. Uma grande cena com certeza.

Vale destacar a atuação do carismático Sonny Chiba, que atuou muito bem neste filme, tanto em quesitos dramáticos quanto habilidades marciais. A cena final em que ele luta contra uns 50 caras é muito boa, por exemplo; seu desespero e arrependimento diante da esposa de um cara que ele matou é também uma bela mostra da atuação de Chiba.

Entretanto, todos estes méritos só são devidamente aproveitados por quem aprecia este tipo de cinema. Se você não gostar de artes marciais, passe longe deste aqui. Combate Mortal é o típico filme restrito a um específico círculo de privilegiados admiradores.

O Guia do Mochileiro das Galáxias (The Hitchhiker's Guide to The Galaxy, 2005)

2010-10-24T14:19:00.001-07:00

Com o anúncio de Martin Freeman como o protagonista de O Hobbit, surgiu uma excelente oportunidade para eu comentar sobre este filmaço que conferi na semana do saco cheio, adaptação do livro de Douglas Adams. Não vou me prender a detalhes sobre a produção, mas é lamentável como este filme não recebeu uma merecida atenção por parte do público.

Trata-se daquelas comédias que não arrancam risadas, mas nos fazem sorrir o tempo inteiro. As atuações exageradas estão de acordo com o espírito maluco da obra. O elenco, aliás, é fantástico que envolve talentos atuais como o próprio Freeman, Sam Rockwell, Mos Def e a maravilhosa Zooey Deschanel, além de astros consagrados como Bill Nighy, John Malkovich, Alan Rickman, Helen Mirren e Warwick Davis.

Este filme é um daqueles que você não dá nada no início e acaba amando após seu término. Uma surpresa muito bacana. Desligue do mundo por duas horas e divirta-se com esta saborosa aventura intergaláctica.

Trailer da Semana: Shaolin (2011)

2010-10-10T17:35:00.000-07:00

SENSACIONAL! Até o presente momento, a produção mais esperada por mim para o próximo ano é este filme chinês, verdadeiro épico de artes-marciais. O estupendo trailer nos mostra pequenos takes de lutas que prometem ser fantásticas e uma sucessão de imagens belas e de tirarem o fôlego. De todos os trailer publicados nesta bagaça, este é o melhor até o presente momento.

Um Copo de Cólera (1999)

2010-10-10T17:34:00.001-07:00

Engraçado que um amigo meu do cursinho perguntou-me, na última sexta-feira, se eu já tinha assistido a um filme tão chato, mas tão chato, que eu não conseguira terminar de vê-lo. Na ocasião, respondi que foram poucos. E, de fato, são poucos, mas para esta ínfima lista entra Um Copo de Cólera, produção nacional baseada no livro homônimo de Raduan Nassar. A estória é dividida em duas partes: sexo tórrido entre o casal protagonista (Alexandre Borges e Júlia Lemmertz) e uma discussão tão babaca entre os dois que não vale a pena nem comentá-la. Para vocês terem uma idéia da chatice, depois de uma meia hora de projeção, eu estava dormindo. Some à péssima edição as atuações canastronas do casal principal e o completo desinteresse que a trama exala sobre os coitados que resolvem assisti-la. Apesar de não ter lido a obra, fica clara a lição deixada por este filme: certos livros não deveriam ser adaptados para os cinemas...

John Lennon (70 anos)

2010-10-08T19:01:00.000-07:00

Uma pequena homenagem de minha parte a este grande artista, inigualável e insuperável. Não há dúvida que seu legado resistirá para sempre. Obrigado por tudo, John!

Epidemia de Zumbis (The Plague of the Zombies, 1966)

2010-10-03T09:42:00.001-07:00

Há umas duas semanas atrás, resolvi assistir a um filme. Sexta-feira à noite, DVD portátil ligado, coloquei no aparelho Epidemia de Zumbis, que eu comprei pela bagatela de 1 real no Makro, novo e embalado.

Para ser sincero, eu não esperava por muita coisa. Contudo, fui surpreendido por um filmaço da Hammer, com uma estória muito bem contada, excelentes atuações, direção competente e ritmo envolvente. E nós sabemos que estes fatores andam em falta no cinema de horror, vide o número de continuações, refilmagens e obras imbecis lançadas continuamente no mundo. Assim, nada melhor do que um bom filme de horror para animar nossas vidas!

Vamos para a estória: o médico Sir James Forbes (André Morell) recebe uma carta de seu melhor aluno, o doutor Peter Tompson (Brook Williams), que reside na Cornualha. Este escreve uma carta confusa e desconexa, pedindo a ajuda de seu antigo mestre para resolver um mistério médico que assola sua vila. Por pressões da filha (Diane Clare), ele resolve visitar seu ex-aluno.

Chegando até a vila, Sir James e sua filha logo percebem o clima pesado do lugar. Jovens saudáveis estão morrendo de maneira misteriosa e o pobre doutor Tompson não consegue achar uma cura para o problema, pois não o deixaram realizar autópsias ou qualquer outro exame post-mortem. E os moradores estão colocando a culpa destas mortes sobre os ombros do médico.

Dessa forma, a chegada de Sir James dá certa segurança a todos e ameniza as tensões na vila. Professor e pupilo resolvem investigar por conta própria o que está acontecendo naquela vila e acabam descobrindo algo aterrador: alguém está praticando vodu na vila, matando pessoas para transformá-las em zumbis!

Existem inúmeros pontos interessantes na obra, a começar por esta trama fantástica, que respeita a origem lendária dos zumbis – seres criados por feiticeiros vodus, que os servem como escravos. Eu, particularmente, não me lembro de ter assistido qualquer outra obra de zumbis que respeitasse essa origem (não estou desmerecendo os outros filmes de zumbi.

Aliás, o grande forte de Epidemia de Zumbis é a sua estória bem estruturada em tom de mistério. Não é um filme de sustos, contudo uma sequência merece destaque: o delírio do doutor Tompson, considerada uma das cenas mais assustadoras do cinema inglês – que nos causa agonia e pavor.

As atuações são muito boas, mas destaco André Morell, que empresta a seu personagem um tom aristocrático e cavalheiresco a seu personagem, pertinentes em sua condição de Sir. Brook Williams também está ótimo como o desesperado médico da vila.

Vale mencionar que o filme foi feito ao mesmo tempo em que o elogiado A Serpente foi filmado. Aproveitaram-se cenários para ambos os filmes, uma prática comum da produtora inglesa.

Com um belo script, ótima direção e elenco de primeira, Epidemia de Zumbis é um excelente exemplo de como se faz um bom filme de horror. Para os apreciadores, altamente recomendável!

Manic Street Preachers - (It's not War) Just the End of Love

2010-10-03T06:09:00.000-07:00

A Minha banda preferida chama-se Manic Street Preachers. Eles lançaram um novo álbum, chamado Postcards from a Young Man (crítica da renomada revista britânica Nme, aqui). Posto aqui, o novo clipe deles, um duelo de xadrez entre um homem e uma mulher. Trata-se de um videoclipe muito bem feito, em plano-sequência, que conta com a participação do ator galês Michael Sheen, como o enxadrista. Tem o clima da Guerra Fria, quando enxadristas disputavam pela supremacia intelectual de suas nações. Para quem gosta de boa música, gosta de clipes bem feitos e quem conhece o trabalho da banda, trata-se de um vídeo indispensável; o melhor trabalho musical do ano, até agora!

Ichi: The Killer (2001)

2010-10-02T19:25:00.001-07:00

Já se tornou um clichê falar sobre Takashi Miike e mencionar adjetivos como visceral, doentio e forte para suas obras. Entretanto, não há como escapar deste vício quando se tenta escrever algo sobre seu filme Ichi: The Killer – uma obra que se encaixa perfeitamente em torno destes adjetivos e outros mais...

Trata-se, afinal, de um cinema para poucos. Quem estiver apto a encará-lo, encontrará filmes de imagens chocantes e difíceis de esquecer; a narrativa quebrada e delirante, recheada de cenas desconexas; apuro visual, com tomadas modernas e originais; e, por trás de toda esta "parafernália", vê-se um cineasta atento e crítico, que olha a sociedade japonesa de uma maneira cruel e mórbida, sendo preciso em suas críticas.

Pelo menos, eu posso mencionar isso com segurança a respeito de Ichi: The Killer. Foi o meu primeiro contato com o cinema de Miike e, após a projeção, confesso que me senti desnorteado com a sucessão de cenas escatológicas e violentas. Entretanto, não há nada de gratuito na edição do filme.

Em cada fotograma, vê-se uma interessante crítica velada a uma sociedade fechada e diferente (para os nossos padrões), que é a sociedade japonesa. Miike não poupa o público, mostrando-nos a violência de maneira explícita e original. A cena da língua cortada é um exemplo: impossível não gemer durante ela.

O roteiro, adaptação da HQ de Hideo Yamamoto, explora alguns pontos críticos do povo japonês como a solidão das pessoas, a violência das gangues, repressão sexual e o bullying em escolas (como se isto fosse exclusivo deles). Pode parecer meio besta, mas durante o filme, essa análise fica velada, em razão da profusão de cenas visualmente poderosas e marcantes. Os mais desatentos, podem pensar que o filme é apenas uma obra exagerada e vazia, mas é exatamente o contrário.

Os dois personagens principais do filme são igualmente fascinantes em suas características psicológicas: Ichi (Nao Omori) é o sanguinário "herói" lunático, que sai matando bandidos de gangues rivais, causando uma encrenca terrível; Kakihari (Tadanobu Asano, um grande ator) é o sádico e demente líder da gangue dos Anjos, que está disposto a encontrar quem está por trás do sumiço do antigo chefão da sua gangue.

Forma-se uma verdadeira perseguição, por parte dos bandidos, em busca de Ichi, mas durante o filme inteiro, eles ficam perdidinhos, com Ichi despachando seus membros aos poucos. E ele o faz de maneira EXTREMAMENTE violenta e sangrenta. Até o maluco Kakihari fica com medo, como ele mesmo diz perto do final da obra para um de seus comparsas. E olha que Kakihari é um sadomasoquista doido...

Difícil decidir qual a cena mais marcante; o fato é que a obra, como um todo, é dificilmente esquecível - especialmente os dois personagens principais, com minha preferência no vilão Kakihari, um dos personagens mais sádicos e doentios que eu já vi em um filme!

A linguagem exagerada, a violência exacerbada e a excelente direção de Miike tornam Ichi: The Killer um filme obrigatório e inigualável. Contudo, se for assisti-lo, não o faça perto de alguém que possa se ofender facilmente com o sadismo explosivo da película – ingrediente de sobra, num filme como este...

Trailer da Semana: The Fighter (2010)

2010-09-26T15:50:00.000-07:00

Eu adoro dramas envolvendo esportes, especialmente a nobre arte - o boxe. É engraçado como a luta confunde-se entre o ringue e a própria vida, com a maioria desses caras. Assim, um filme de boxe envolvendo dois dos meus atores preferidos - Mark Whalberg e Christian Bale - é indispensável. Detalhe: prestem atenção na belíssima trilha sonora de Michael Brook. É impressão minha ou tem cheiro de Oscar no ar??

A Janela da Frente (La Finestra di Fronte, 2003)

2010-09-26T13:28:00.001-07:00

Parecia ser um drama sobre voyeurismo e a velhice. Mas A Janela da Frente revelou-se como algo muito maior: trata-se de uma verdadeira crônica sobre o amor e as escolhas que suas "vítimas" devem fazer. Afinal, quando surge o amor entre duas pessoas, o mundo não pára por causa disso.

Tal fato é claramente exemplificado ao longo da projeção, sendo explícito em sua conclusão. Tanto a personagem Giovanna (Giovanna Mezzogiorno), quanto o velho Simone (o grande ator Massimo Girotti, que faleceu pouco depois da realização deste filme), são os que serão testados pela vida sobre suas escolhas em função de uma paixão. Para o velho Simone, sua escolha foi feita na época da ocupação nazista; para Giovanna, as visões de sua janela irão atraí-la e, quando ela finalmente tiver alcance destas, caberá a ela decidir se irá agarrar-se a elas ou continuar com sua vida complicada...

É interessante como os dois personagens vão mostrando suas semelhanças ao longo da estória. Ao início, Giovanna e seu marido (Filippo Nigro) acham Simone na rua, desmemoriado. O marido leva o velho para casa, apesar das negativas da esposa. No fim das contas, a ligação entre os dois será íntima e forte, em razão de suas similaridades.

Trata-se de uma obra de ritmo vagaroso, sem sobressaltos durante sua narrativa. Eu mesmo nunca fui um fã de filmes nesse estilo, mas devo dizer que A Janela da Frente me surpreendeu, pois se trata de um filme denso em suas mensagens. Precisei digerir um pouco o que eu tinha visto para captar as intenções do diretor Ferzan Ozpetek.

Com algumas belas tomadas e ótima utilização de luzes, especialmente na sequência inicial da obra, A Janela da Frente é um interessante filme italiano. Para os apreciadores de cinema europeu, indispensável.

Os Aloprados (Semi Pro, 2008)

2010-09-19T13:32:00.001-07:00

Mais uma comédia esportiva de Will Ferrell, desta vez parodiando o basquete e, de certa forma, homenageando os anos 70. Os Aloprados é um filme muito fraco em seu objetivo inicial – ser engraçado. Afinal, o que temos aqui é uma série de piadas constrangedoras e Ferrell interpretando o mesmo personagem, desde O Âncora. No entanto, o clima Funk que a obra traz é irresistível, com uma trilha sonora excelente e figurino muito bacana – fatores que não são suficientes para salvar o filme.

No quesito comédia o filme falha miseravelmente. A falta de um roteiro, no mínimo, coerente, prejudicou a obra, desperdiçando o talento de bons atores como Woody Harrelson, Maura Tierney e Andre Benjamim (que, mesmo me surpreendendo com atuações eficientes, ainda não participou de nenhum filme decente).

Harrelson, aliás, não é um novato no mundo do basquete. Ele interpretou um jogador trapaceiro e talentoso no excelente Homens Brancos Não Sabem Enterrar (que merece uma crítica extensa aqui no blog).

Os Aloprados (sem comentários para a "tradução" do título pela distribuidora!) é muito fraquinho. Pelo menos Ferrell falou que esta seria sua última comédia esportiva. A julgar pela qualidade decrescente de seus filmes, percebemos que esta foi uma sábia decisão...

Nosso Lar (2010)

2010-09-12T13:47:00.001-07:00

E no fim das contas, Nosso Lar é um bom filme. Pode parecer besteira, mas com a imensa quantidade de críticas negativas a respeito da obra, acabei entrando na sala de cinema bastante desconfiado. Mas ao final da projeção, percebi que a obra em questão não era de todo ruim; aliás, era surpreendentemente interessante.

Não vou mencionar o claro aspecto religioso da obra. Afinal de contas, trata-se de um filme baseado num livro espírita, psicografado por Chico Xavier. Vários conceitos e idéias da doutrina são explicados nos diálogos do filme, dando a obra um leve caráter didático, que não chega a comprometer o andamento do filme.

Aliás, o que me agradou profundamente em Nosso Lar foi o capricho da produção em seus meandros técnicos. O belo desenho de produção, duramente criticado por alguns, não me lembrou, inteiramente, as obras de Oscar Niemeyer, mas ao design futurista de algumas obras dos anos 50 (a central de reencarnação, por exemplo, lembra a entrada de um disco voador). Outro grande destaque para a produção é a magnífica trilha sonora de Philip Glass, muito bonita e que, se fosse numa produção de Hollywood, poderíamos chamá-la de comum, mas como se trata de uma produção nacional...

Gostei também da interpretação de Renato Prieto como o médico André Luiz. Nada de extraordinário, porém competente.

Trata-se, enfim, de um bom filme. Vejam bem, caros leitores: eu não sou espírita, então não é por esse motivo que eu gostei da obra, caso alguém venha me questionar. A verdade é que Nosso Lar é uma produção muito caprichada, tendo uma história bem contada e interessante. Vi-o de maneira imparcial analisando a obra apenas como cinema e entretenimento. Dessa forma, vale a pena conferir este filme brasileiro com pompa hollywodiana.

Já que Solomon Kane vai estrear nos cinemas...

2010-09-12T13:31:00.000-07:00

...nada melhor do que rever a crítica que fiz sobre o filme (clicando aqui) e ver o protagonista James Purefoy falar sobre a obra em questão, abaixo:

Anjos e Demônios (Angels and Demons, 2009)

2010-09-11T20:49:00.001-07:00

Sai o tom didático e aborrecido de O Código Da Vinci; entra um bem-vindo ritmo frenético à segunda estória de Robert Langdon nos cinemas, Anjos e Demônios. É uma ótima aventura, rica em conteúdo (no melhor estilo "salada conspiratória/histórica" utilizado por Dan Brown) e, dessa vez, bastante cativante para o grande público. O filme aproxima-se muito do estilo envolvente de Brown e as locações continuam sensacionais: Vaticano e as igrejas de Roma – fotografados de uma maneira grandiosa e bonita. O roteiro recorta várias partes do livro, economizando no "blá blá blá" e investindo na ação. Essa preocupação em melhorar os pontos falhos do filme antecessor mostra a inteligência de Ron Howard, Akiva Goldsman e Tom Hanks, que ainda contrataram o prestigiado Ewan McGregor para interpretar o Camerlengo. No final da projeção, você perceberá que acabou de assistir um bom filme de mistério e aventura.

Encontro de Casais (Couples Retreat, 2009)

2010-09-11T19:39:00.001-07:00

Trata-se de uma "comédia". Pois é, entre aspas, mesmo; afinal, não existe, absolutamente, nenhuma cena engraçada em Encontro de Casais. Temos um filme terrivelmente chato, com atuações no piloto automático e Jean Reno num papel que constrangeria qualquer pessoa com o mínimo de consciência. O mais triste é ver alguns bons comediantes como Jon Favreau e Vince Vaughn, além de atores competentes como Jason Bateman, Kristen Bell, Malin Akerman (reincidente em comédias ruins, vide Antes Só do que Mal Casado) e Kristin Davis, tendo seus talentos desperdiçados por conta de um roteiro imbecil como o deste filme. Uma das piores comédias que já tive o desprazer de assistir.